EXPOSITIONS DU CENTRE POMPIDOU : À DÉCOUVRIR EN LIGNE

A quelques mois de 2017 qui verra un grand programme d’expositions proposées dans 40 lieux différents pour célébrer comme il se doit les 40 ans du Centre Pompidou, la Bibliothèque Kandinsky met en ligne un outil essentiel pour tous ceux qui s’intéressent aux expositions de ces quatre décennies.

Le catalogue raisonné des expositions était déjà accessible ici mais le voilà désormais complété des sources disponibles au Centre Pompidou pour chacune des expositions de 1977 à 2015 inclus, archives et liens vers des ressources numériques.

Cet important travail de recensement a été possible grâce aux contributions d’environ 70 archivistes, étudiants et chercheurs associés au programme de recherche Histoire des expositions (2012-2015), soutenu par les Labex Arts H2H et CAP.

Qu’il s’agisse du signalement des sources effectué pour toutes les expositions ou de fiches plus détaillées dédiées à certaines expositions, le choix du mode contributif a permis la production de milliers de références permettant au chercheur de disposer immédiatement d’un état des archives conservées à la Bibliothèque Kandinsky et aux Archives du Centre Pompidou. Que tous nos contributeurs soient ici remerciés.

Stéphanie Rivoire

Conservatrice des Archives - Bibliothèque Kandinsky - MNAM/CCI Chargée de projet Catalogue raisonné des expositions au Centre Pompidou

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La photographie de vue d’exposition Source de l’histoire de l’art contemporain

 

 

1. Un laboratoire des premières fois SFP Arles 2012 Olivier Cablat copie copie

Vue de l’exposition Un laboratoire des premières fois : les collections de la Société française de photographie présentée au musée départemental Arles antique dans le cadre des Rencontres d’Arles, 2012. Commissariat Luce Lebart. Crédit photo : Olivier Cablat / SFP

La photographie de vue d’exposition

Source de l’histoire de l’art contemporain

Type: Rencontres du Centre André Chastel
Date: 17 février 2016
Lieu: Galerie Colbert, 2 rue Vivienne, 75002 Paris, salle Ingres (2e étage)
  • Cette communication de Rémi Parcollet, Docteur en Histoire de l’art contemporain (Université Paris-Sorbonne), se tiendra en salle Ingres, au 2e étage, de 18h30 à 20h. Entrée libre

L’exposition a fait l’objet de nombreuses analyses et pourtant son rapport à la photographie (son « devenir-image » et sa photogénie) est rarement évoqué. Considérée comme un procédé, elle développe de nombreux liens avec celui de la photographie. Toutes les deux consistent à « montrer ». L’objectif de cette recherche est d’analyser les spécificités de la photographie de vue d’exposition dans le contexte du développement récent, mais en pleine expansion, de l’histoire des expositions d’une part, et de la numérisation/patrimonialisation des fonds documentaires conservés (et parfois produits) par les institutions muséales ou productrices d’expositions d’autre part. Dans le contexte de l’éphémère, ces archives visuelles s’imposent désormais comme moyens de penser les expositions, d’écrire l’histoire de l’art et comme véhicules majeurs de création d’un patrimoine de l’art vivant.

Une photographie de vue d’exposition n’est jamais une reproduction, elle se détermine en fonction du temps et de l’espace. Elle est, avant, pendant et après l’exposition, à la fois un indicateur et un vérificateur. Les indices qu’elle fournit constituent des éléments pour son analyse critique. La mise en photographie dont l’exposition a toujours fait l’objet permet les comparaisons et vérifications qui influent, par voie de conséquence, sur sa conception. Les artistes et les commissaires utilisent aujourd’hui la photographie non pas comme une finalité mais comme un outil permettant de penser la mise en espace. La photographie de vue d’exposition devient un outil d’analyse des pratiques artistiques contemporaines. En conséquence il apparaît particulièrement légitime d’analyser les pratiques développées par les artistes d’une part et des commissaires d’autre part vis-à-vis de ces archives et des processus de patrimonialisation de leur travail par ces photographies documentaires.

Les expositions sont très certainement un des principaux vecteurs de patrimonialisation des œuvres d’art dans le monde contemporain. L’étude et l’analyse critique de leur chronologie, de leur contenu, de leur mode opératoire apparaissent aujourd’hui indispensables. Quels sont les nouveaux outils pour la discipline Histoire de l’art dans le contexte des Humanités numériques, plus particulièrement pour le traitement des images ? Comment stimuler de nouvelles approches au sein des études visuelles ?

 

Voir le programme des Rencontres du Centre André Chastel 2015-2016

Exposition(s) et média(s) Enjeux d’une dialectique actuelle : appel à contribution

Désignant « aussi bien ce qui est exposé que l’espace où l’on expose, l’acte d’exposer et l’exposition en tant que “produit” actualisé par le visiteur »[1], l’exposition a pu recouvrir des formes et fonctions très diverses depuis les « proto-musées » jusqu’à « la promenade comme le centre commercial »[2]. Témoignage de son temps, l’exposition est indissociable de son contexte de production. Ainsi, l’histoire récente est marquée par une évolution des modalités d’appréhension de l’exposition qui se caractérise notamment, au tournant des années 1980, par l’intensification des flux transnationaux et une massification de l’événement dans lesquels Nathalie Heinich voit « de nouvelles formes de tourisme intellectuel, de délectation lettrée ou d’érudition itinérante »[3]. L’exposition devient alors un objet d’étude transdisciplinaire, qu’il soit envisagé à travers un prisme communicationnel (Davallon), muséographique (Chaumier, Desvallées, Mairesse), historique ou socio-historique (Glicenstein) ou même sociologique (Heinich, Eidelman). Défendant le postulat selon lequel l’exposition est un média, la thèse centrale de Jean Davallon que nous souhaitons interroger ici démontre que l’exposition (d’art, d’objet, de science, etc.) donne à voir autant qu’elle nous explique comment regarder[4] et par là, qu’elle met en œuvre la double vertu du média en s’imposant comme support et comme intermédiaire. Il est depuis communément admis de considérer l’exposition comme un média, et les registres médiatiques de l’exposition ou du musée font l’objet de nombreuses recherches (Davallon, Poli). L’ensemble de ces théories mérite aujourd’hui d’être analysé au regard du contexte actuel, marqué par un renouvellement de la « médiatique[5] », par une présence et une influence grandissantes des Technologies de l’Information et de la Communication (TIC).

Plus généralement, c’est l’histoire et l’évolution des pratiques médiatiques de l’exposition depuis la formulation de ces théories qu’il semble pertinent d’analyser. Car, parallèlement à cette théorisation, la richesse et la productivité des expositions depuis les années 1980 – tant dans l’augmentation de leur nombre que dans la diversification de leurs formes – définissent cette période comme un tournant dans l’histoire des expositions, qui voient leurs modalités de fabrication et de réception évoluer significativement. Ensuite, les années 1980 sont également caractérisées par le passage à une société façonnée par ce que l’on appelle désormais les Nouveaux médias qui se définissent par la démocratisation de l’ordinateur. C’est pourquoi ce colloque entend mettre en perspective la richesse et la production des expositions depuis les années 1980, au regard de l’influence des nouveaux médias dans la société.

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Stéphanie Rivoire

Conservatrice des Archives - Bibliothèque Kandinsky - MNAM/CCI Chargée de projet Catalogue raisonné des expositions au Centre Pompidou

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Les archives photographiques d’expositions 0/9 : Introduction

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari
0/9 Introduction
Par Rémi Parcollet

 

Sans titre-1

Manifestement les expositions sont aujourd’hui l’un des vecteurs de patrimonialisation de l’art contemporain. Les photographies de vues d’expositions en sont à la fois l’instrument et la mémoire.

Ces journées d’étude avaient pour objet de porter le débat non seulement sur la pratique et la production, mais encore et surtout, sur l’archive, ses usages, la diffusion et la réception de ces photographies documentaires. Elles ont été organisées avec le soutien du LabEx Création Art Patrimoine (CAP). La photographie de vue d’exposition est appelée à intégrer pleinement le patrimoine photographique, elle ouvre un champ d’interpellation profond aux méthodes de l’histoire de l’art ; s’intéresser à une histoire des expositions ouvre des perspectives nouvelles.

Photographie et Exposition sont étroitement liées. Toutes deux consistent à « montrer » et surtout à « mettre en lumière ». Au-delà de leurs analogies, elles sont interdépendantes. Quantité d’œuvres et d’expositions ne sont connues du public que par le biais de leur image photographique. Mais surtout, malgré l’expérience de l’œuvre, la photo et son cadrage se substituent dans bien des cas à son souvenir. Cette incidence impose une vaste question, liée à la polysémie des œuvres, à la mémoire de ce que l’on regarde et à la patrimonialisation des œuvres en situation d’exposition, mais encore à l’écriture de l’histoire de l’art et même à l’évolution des pratiques artistiques.

Avec les campagnes de numérisation ces archives photographiques sont confrontées à de nouveaux enjeux, non plus seulement de préservation mais de diffusions et de mise en valeur. Quelles sont les conséquences en termes scientifique et pédagogique ?

La numérisation des archives visuelles d’expositions, la prise de conscience de la valeur patrimoniale de ces fonds, la mise en place de programmes de recherche aboutissant à de nouvelles démarches pédagogiques, l’amplification de projets éditoriaux et de publications entrent en concordance dans un faisceau de relations causes/conséquences concrétisé par des rapprochements entre le monde de la recherche et les institutions muséales et productrice d’expositions mais aussi par un dialogue entre chercheurs et conservateurs.

Par ailleurs la patrimonialisation est sujette à des stratégies. Le patrimoine devient un objet d’étude dès lors que l’on s’intéresse au discours de ceux qui le font exister. D’où la pertinence d’une interrogation des acteurs qui prennent indirectement part à cet inventaire. Qui va imposer scientifiquement et culturellement sa définition de ce qui est légitime ?

Ces journées d’étude sur les archives photographique d’exposition organisées dans le cadre du projet de catalogue raisonné des expositions du Centre Pompidou, ont porté le débat non seulement sur la pratique et la production, mais encore et surtout, sur l’archive, ses usages, la diffusion et la réception de ces photographies documentaires. Dans la perspective d’identifier les causes et les mécanismes du processus de patrimonialisation de l’exposition et des œuvres exposées, par la photographie.

Les responsables des fonds de sept institutions qui développent de manière significative leurs archives photographiques d’expositions en France, ont été les premiers acteurs de ces journées d’étude. Ils ont dialogué avec des photographes, des conservateurs, des directeurs d’institution, des critiques, des commissaires d’expositions, des artistes et des chercheurs universitaires. En référence à la Bibliothèque Kandinsky, lieu privilégié où se croisent, artistes, conservateurs, commissaires d’expositions, critiques et historiens de l’art, ces journées d’étude ont été le moment d’une convergence entre la création, l’exposition et la recherche.

Les photographies de vues d’expositions ne peuvent plus être envisagées comme un médium transparent. Dans le contexte de l’éphémère, ces photographies, bien souvent substituées aux souvenirs, sont aujourd’hui le produit d’une triple corrélation assumée entre l’artiste d’une part, le commissaire d’exposition et son photographe d’autre part, et l’historien de l’art enfin. Elles s’imposent désormais comme moyens de penser les expositions, d’écrire l’histoire de l’art et par conséquent comme véhicules majeurs de création d’un patrimoine de l’art vivant.

L’exploration de la vue d’exposition, au prisme de la photogénie révèle une pratique photographique à part entière. Animée par des professionnels et, paradoxalement, par des non-professionnels de la photo (parfois éclairés : artistes, historiens, critiques, commissaires), elle a une fonction documentaire complexe, entre archive et support de représentation. Elle implique un mode opératoire intellectuel, culturel et conceptuel, dépassant largement sa seule technique et son ancrage progressif dans la pensée collective. La représentation de l’art s’inscrit désormais pleinement dans l’histoire de la photographie – jusqu’à l’instituer, à son tour, comme paradigme.

1. Vue de l’exposition Jeppe Hein du 15 septembre 2005 – 14 novembre 2005. Espace 315, Centre Pompidou MNAM-CCI, photo : Jean Claude Planchet, courtesy Bibliothèque Kandinsky
Actes de la journée d’étude

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Les archives photographiques d’expositions 1/9 : Approches méthodologiques pour un catalogue raisonné des expositions du Centre Pompidou

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
1/9 : Approches méthodologiques pour un catalogue raisonné des expositions du Centre Pompidou.
Par Stéphanie Rivoire

C’est dans le cadre de son programme Recherche et mondialisation que le Centre Pompidou a créé un cercle de réflexion sur l’histoire des expositions. Associant personnels du Centre et universitaires, il avait pour objet d’interroger le format et la nature des expositions comme la pratique du commissariat d’exposition et la place de l’histoire des expositions dans l’histoire de l’art, d’examiner le rôle de l’exposition dans la constitution des collections, d’analyser l’exposition dans toutes ses composantes (conception, préparation, mise en œuvre, mise en espace, communication, réception, événementiel associé…). La démarche du Centre Pompidou consiste donc à traiter de l’exposition comme objet culturel, un objet dont le contexte, les ressorts, les résultats peuvent être décrits et analysés, un objet dont peut se saisir l’historien.

L’entreprise principale engagée dans ce cadre consiste à établir le catalogue raisonné des expositions du Centre Pompidou. Le choix même du terme catalogue raisonné montre l’ambition du projet. Or si l’exposition est au centre des activités de l’institution, l’archivage de l’exposition et la documentation de l’exposition sont mal prises en compte dans les institutions muséales[1]. Pourtant la pratique documentaire y est prégnante tant la documentation des œuvres participe de la gestion scientifique des collections. La question des sources est donc apparue comme primordiale dès le démarrage du projet qui s’appuie donc sur une méthodologie associant recherche et méthodologie archivistique. Il concilie ainsi les problématiques de gestion interne à l’institution et les besoins des chercheurs[2].

Un des préalables a été d’envisager ce projet de catalogue raisonné dans une démarche collaborative, prenant en compte la réglementation sur les archives comme le besoin de normalisation inhérent à une démarche sur les sources mais intégrant la définition de spécifications fonctionnelles à partir des besoins émis par le premier groupe des contributeurs. Dans un contexte où le Centre Pompidou choisit de proposer en ligne un grand nombre de ressources numériques sur l’art moderne et contemporain, dans un temps où cette établissement choisit d’offrir aux internautes une plus grande interaction sur le web, documentalistes, archivistes, étudiants, chercheurs, commissaires, membres d’équipes d’exposition, artistes parfois ont ainsi pu échanger sur la forme et sur le fond du catalogue raisonné, de la fiche d’exposition à la nécessité de proposer un support à l’expression analytique des expositions étudiées.

Après avoir défini le périmètre du catalogue raisonné, nous préciserons les typologies documentaires disponibles et les modalités de regroupement des sources, puis nous présenterons la méthodologie employée et les outils désormais disponibles pour les chercheurs.

1. Magiciens de la Terre. 18 mai – 14 aout 1989. Centre Pompidou MNAM, Grande Galerie, Paris. Commissaire : Jean-Hubert Martin. Centre Pompidou, MNAM, Bibliothèque Kandinsky. Photo : Béatrice Hatala. [Cote : EX320 4926 330]
Que recouvre la notion de catalogue raisonné des expositions pour le Centre Pompidou ?

Le Centre Pompidou a présenté, entre 1977 et 2013, plus de 1.400 expositions de natures très diverses :

Avec près de soixante expositions par an sur la période 1977-1982, et malgré un rythme moindre ensuite (une vingtaine par an dans les années 2000), le Centre Pompidou est un musée qui produit beaucoup d’expositions, de format et d’ampleur différents. Si l’effervescence des années d’ouverture s’est atténuée, c’est aussi la nature même des expositions qui semble s’être modifiée. Il se tient moins de petites expositions, moins d’expositions associées ou dérivant des expositions majeures, moins d’expositions spécialisées (fermeture de la salle contemporaine, du salon photos, fin des expositions du Centre de Création Industrielle). L’analyse de ce corpus dit beaucoup sur le Centre, sa programmation, ses choix en matière de collections etc… elle dit beaucoup également sur les pratiques curatoriales à l’œuvre au sein de l’institution. Des évolutions sont également liées aux changements des espaces, aux équipes en place et en particulier aux directeurs et aux présidents du Centre Pompidou. Autant de formats différents, autant de modalités de visites, autant d’histoires d’exposition, autant d’artistes, autant d’équipes, autant de choix curatoriaux, autant de productions éditoriales …

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Les archives photographiques d’expositions 2/9 : Analyse des pratiques curatoriales au sein du Centre Pompidou

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
2/9 : Approches méthodologiques pour un catalogue raisonné des expositions. Un exemple : l’analyse des pratiques curatoriales au sein du Centre Pompidou.
Par Angelica Gonzalez Vasquez1

Le cadre de mon analyse est une étude des pratiques curatoriales dans le contexte muséal et ses discours. Cette voie permet de penser de quelle façon une exposition peut faire partie d’un processus complexe par lequel l’art peut être compris et expérimenté. C’est moins l’analyse d’une œuvre d’art, d’un artiste, d’un courant qui nous intéresse que de savoir comment se constitue à travers l’exposition et son discours, une forme particulière de penser l’art. Bien évidemment sur l’exposition peuvent apparaître plusieurs discours : de l’histoire de l’art, de la critique, de l’esthétique ou de l’artiste, mais nous privilégions ceux des responsables de sa conceptualisation et sa production.

Pour développer cette recherche, l’environnement du Centre Georges Pompidou nous semble particulièrement pertinent car il est un lieu privilégié pour la réalisation d’expositions concentrées sur les périodes moderne et contemporaine[1]. Le Centre maintient, conserve et actualise une richesse documentaire et archivistique sur ses expositions même si on trouve des lacunes, une documentation hétérogène, diffuse et parfois inexistante.

Nous voudrions montrer comment les différentes pratiques curatoriales constituent une forme particulière de médiation. Ces pratiques ne se limitent pas à la conservation ou l’accrochage des œuvres mais impliquent dans leur évolution le travail collaboratif et complexe des différents acteurs du champ artistique, tels que, les conservateurs de formation, les artistes, les commissaires invités, les collectifs de production, les spécialistes de diverses disciplines.

Nous nous concentrons sur l’analyse de moments éclatants du changement de ces discours dont je peux retrouver la trace de manière approximative et discontinue dans les textes de présentation des catalogues des expositions et des livres publiés par le Centre et en particulière dans les archives. Ces discours se présentent sous les formes le plus variées comme les notes d’intention des expositions conservés aux archives du Centre, les communications publiques, la correspondance entre les commissaires et les artistes, les réflexions critiques et autocritiques sur la pratique curatoriale, les aspects critiques de la muséographie et les aspects liés à la réception de l’exposition. Il nous semble que l’interprétation et le débat sur les sources d’archives, ainsi que, sa place ans les pratiques curatoriales et artistiques aujourd’hui, est un sujet qui commence à être traité et problématisé, mais qu’il reste encore un très vaste terrain à explorer.

Mon analyse commence par la période qui coïncide avec l’inauguration du Centre Pompidou à la fin des années 1970. Cette coïncidence n’est pas un hasard car à partir des années 70, il devient évident que la pratique curatoriale se consolide comme un aspect crucial du débat sur la compréhension des pratiques artistiques contemporaines. La création du Centre répond aussi aux besoins de recherche des lieux plus expérimentaux pour l’exercice de ces pratiques. Cette période coïncide avec la transformation du rôle du commissaire de la conservation vers une pratique du positionnement de celui-ci dans le champ artistique, qui révèle le besoin de faire et de produire une réflexion sur les manières dont cette position s’exprime.

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  1. Doctorante en « Esthétique et sciences de l’art » à l’Université Paris 8-Vincennes Saint Denis. Sa thèse porte sur la production des discours curatoriaux de deux dernières décennies. En 2013, elle a été Lauréate de la bourse « Histoire des expositions » et actuellement boursière de Colfuturo-Colombie. Elle a travaillé comme commissaire pour des expositions au Musée d’Art Moderne de Bogotá et directrice de la salle d’expositions de l’Université Distrital Francisco José de Caldas-Bogotá. Actuellement, elle est membre du comité de rédaction de la revue d’art contemporain Marges publiée aux PU de Vincennes []

Les archives photographiques d’expositions 4/9 : De la boîte d’archive à la mise en ligne

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
4/9 : Expérience de valorisation d’un fonds photographique argentique : De la boîte d’archive à la mise en ligne
Par Estelle Cherfils1

L’objet de mon intervention aujourd’hui est de vous faire partager une expérience de valorisation d’un fonds photographique argentique au sein du musée d’art contemporain de Lyon et de son centre de documentation : Maurice Besset, je l’ai intitulée : « de la boite d’archive à la mise en ligne ».

Je commencerais par citer Valérie Pellerin, iconographe elle-même : « l’iconographe est un chercheur de trésor qui œuvre dans l’univers des mots et de la pensée, les images sont des joyaux qu’il découvre et met au jour ».

Dans l’expérience que je vais évoquer, on pourrait plutôt comparer l’iconographe à un enquêteur qui résout des énigmes. L’objet de l’enquête : c’est identifier ce qu’on le voit pour le transmettre. La mission, c’est la valorisation. La première étape c’est l’identification avant toutes celles qui suivront : le classement, le constat, la sélection, la numérisation puis la diffusion. Le lieu de l’enquête : le centre de documentation, dont vous pouvez découvrir les images, et plus particulièrement la table lumineuse qui se trouve sur la mezzanine.

Les indices pour résoudre cette enquête : les « traces » qui prennent la forme de catalogues édités, de fiches d’inventaire papier (nous en avons environ 30 000 numérique et argentique confondus), d’inscriptions sur les photos argentiques ou encore de fiches de prêts d’œuvres lors d’expositions. Les outils sont le compte fil et la table lumineuse. Les témoins, sont à chercher dans l’équipe du musée, parmi ceux qui possèdent la mémoire et qui peuvent encore la transmettre.

Dans un premier temps j’évoquerai avec vous le chantier de reconditionnement et d’inventaire (Nous avons fait un bilan quantitatif et une étude du fonds) débuté en 2008, avec la contribution régulière de stagiaires. Puis, je vous proposerai d’entrer au cœur des images dans une alternance entre la production passée et actuelle.

1 Le fonds

1.1 Présentation du fonds argentique

  • Spécificité

De 2008 à 2013, un « pré-inventaire » a été mené sur le fonds argentique des expositions afin de le préserver, de mieux le connaître et de le rendre visible – à plus ou moins long terme-. La spécificité du MAC, c’est que ce musée ne présente pas sa collection de façon permanente mais uniquement des expositions temporaires où la collection est régulièrement exposée. Le fonds photographique est le reflet de cette volonté de faire un lieu, comme le dit le conservateur : « modelé pour être entièrement à la disposition des artistes ». Il parle de « collection d’expositions ». A la suite de certaines expositions, des œuvres exposées sont entrées dans la collection, un petit pourcentage de photographies argentiques illustre donc ces œuvres venues enrichir la collection. Ces images constituent la mémoire de présentation originale et parfois l’unique document photographique, la pièce n’étant pas représentée ensuite.

  • Composition de ce fonds.

Il est estimé aujourd’hui à 50 000 photographies, il se décline autour de trois thématiques : les vues d’expositions (244 en tout ce qui correspond à 37 000 documents argentiques), la collection, 5 000 documents. Il nous manque actuellement le comptage et le bilan sur le « fonds annexe ». Dans ce fonds, nous trouvons des vues de vernissages, des vues de bâtiments, des photos de conférences sur l’histoire de l’art et des photos fournis par les artistes. Le fonds est composé en grande partie (à 80%) de diapositives et d’ektachromes, nous avons des négatifs et des tirages papiers également. Depuis 2005 le fonds est directement alimenté par des prises de vue directes.

  • Chronologie

Pour comprendre la composition de ce fonds, il nous faut remonter en 1976 avec la création à Lyon de l’ELAC : Espace Lyonnais d’Art Contemporain. C’est l’un des premiers centres en France dédié à l’art contemporain. Nous avons récupéré une partie des archives photos de ce centre mais pas les archives papiers. En 1979, nous le verrons tout à l’heure, une exposition a lieu à l’ELAC sur des artistes polonais et c’est la plus ancienne exposition présente dans le fonds argentique. En 1983, dans l’enceinte du palais des Beaux-arts de Lyon, une section d’art contemporain appelé « Saint Pierre Art Contemporain » voit le jour, elle deviendra « Musée d’Art Contemporain » en 1988. En 1995, le transfert se fait sur le site actuel à la Cité Internationale ainsi que la fusion du musée d’art contemporain avec l’ELAC. Enfin en 2005, nous avons les dernières expositions en argentique sur les expositions des artistes Kader Attia et Andy Warhol.

1.2 Le déroulé du chantier de reconditionnement et de pré-inventaire Continuer la lecture de Les archives photographiques d’expositions 4/9 : De la boîte d’archive à la mise en ligne 

  1. Estelle Cherfils à étudié les techniques documentaires à l’Université de Rouen et s’est spécialisée dans la gestion informatisée des collections muséales.  Elle mène plusieurs chantiers de réorganisation du fonds documentaire des musées Littéraires de Haute- Normandie (1999) puis du musée d’Evreux (2000). Elle s’oriente  vers l’Iconographie  au musée d’art contemporain de Lyon (2008) où elle mettra en œuvre un projet sur 6 ans de réorganisation, d’inventaire  et de conservation du fonds photographique. []

Les archives photographiques d’expositions 5/9 : Photographe Blaise Adilon

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
5/9 : Photographe Blaise Adilon
Par Blaise Adilon ((Photographe, cinéaste et graphiste, le lyonnais Blaise Adilon est un concepteur d’images. Outre une activité professionnelle à l’intention de l’environnement culturel au sens large -beaux-arts, musique, danse, théâtre, architecture-, il poursuit, depuis 1981, un travail d’artiste dans une approche contemporaine et expérimentale de la photographie et du cinéma. blaise-adilon-images@wanadoo.fr)) 

Je vais diffuser derrière moi des images. On va retrouver des photographies du Musée d’art contemporain de Lyon, du Magasin à Grenoble, de l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne, du Frac Franche Comté, de la Biennale d’art contemporain de Lyon, des images de performances, des portrait d’artiste, tout cela étant le travail que je fais quotidiennement et je vais vous parler de mon métier.

1. Exposition Latifa Echakhch Laps. 15 février – 14 avril 2013. Musée d’Art Contemporain de Lyon. Photo : Blaise Adilon. ©macLYON

Vous allez retrouver certaines images, nous ne nous sommes pas concerté avec Estelle [Cherfils]. Les panoramiques que vous avez vu, vous en verrez d’autres tout à l’heure, je précise que ce ne sont pas des images réalisées avec un appareil panoramique mais ce sont des montages, c’est à dire que je prends quatre ou cinq, ou plus, photographies de l’espace, sous des angles différents et je recompose numériquement pour donner une vue d’ensemble, ce qui explique les aberrations de perspectives des sols et des plafonds, on reviendra là dessus.

2. Exposition Cage’s Satie : Composition for Museum. 28 septembre 30 décembre 2012. Musée d’Art Contemporain de Lyon. Photo : Blaise Adilon. ©macLYON

J’ai fait mes études en 1981, dans un lieu un peu atypique qui était une préfiguration de ce qu’allait devenir l’école d’Arles, en partie, et qui était le « stage expérimental photographique » de Claudine et Jean-Pierre Sudre. Des études qui duraient neuf mois, un temps assez court…. Le premier travail que l’on a fait c’était l’apprentissage de la reproduction de document sur lequel on a travaillé un mois. A l’époque je voulais être correspondant de guerre donc cela n’avait pas grand chose à voir. Mon père était peintre et j’ai commencé a reproduire ses peintures, puis c’est devenu une véritable passion que la reproduction d’œuvres d’art.

3. Exposition A Step Backward / Bob’s Kitchen / Caprice / Carré bleu sur fond blanc / Cimaises / Dave’s Corner / Duster / Escort / Estate / Les socles révolutionnaires / Skylark / Sun City / Toblerones / Trésor public. 11 septembre-31 décembre 2010. Musée d’Art Contemporain de Lyon. Photo : Blaise Adilon. ©macLYON

En 1986, j’ai sorti ce petit document pour faire connaître mon travail et en utilisant une citation de Serge Bramly qui avait écrit un livre sur Man Ray, je vais vous la lire parce que je pense que c’est un éclairage sur cette problématique de la reproduction :

« Man Ray ne vint pas à la photographie, elle vint à lui (…) par hasard donc, au début de l’été 1915. (…) Sa première exposition personnelle y était prévue pour l’automne ; il lui fallait un catalogue, et pour ce catalogue des photos de ses tableaux. Il s’adressa à un photographe professionnel qui fit deux ou trois essais : ses épreuves le déçurent. Les gris rendaient mal les valeurs des couleurs ; traduits en noir et blanc, un vert et un rouge par exemple, d’égale densité, se confondaient ; l’ensemble en paraissait très plat, fidèle sans doute, littéral, mais, parce qu’il était dénué d’artifice, terne et monotone.(..) Il se procura un appareil, sur lequel nous ne possédons aucun renseignements, et une série de filtres colorés qui, lui avait-on dit, lui seraient indispensables. (…) « Chaque fois dira-t-il, que je rencontrais quelque chose que je désespérais de maîtriser, je n’avais de cesse que je n’en aie fait ma prochaine conquête ». (…) Ses clichés avaient ceci de particuliers qu’il se permettait d’ « interpréter » les toiles qu’il reproduisait, s’attachant à rendre les effets de matière, les valeurs chromatiques. (…) Le passage de la peinture en sa copie photographique s’apparentait pour lui à celui d’un texte d’une langue en une autre— il transposait. (…) »1

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  1. Serge Bramly, Man Ray, ed. Belfond 1980, pp. 25-34 []

Les archives photographiques d’expositions 6/9 : De l’exposition temporaire à l’archive numérique : la mutation du statut de la photographie muséographique. L’exemple du MAGASIN.

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
6/9 De l’exposition temporaire à l’archive numérique : la mutation du statut de la photographie muséographique. L’exemple du MAGASIN.
Par Léa Deshusses1 , Claire Prêtre2 et Frédéric Besson3 

Le MAGASIN est un centre d’art qui ne possède pas de collection permanente et présente uniquement des expositions temporaires depuis son ouverture en 1986. Le bâtiment est une halle Eiffel construite en 1900, remontée sur le site Bouchayer-Viallet à Grenoble en 1901 et convertie en centre d’art par l’architecte Patrick Bouchain en 1985-1986.

1. Montage de la halle Eiffel sur le site Bouchayer-Viallet à Grenoble en 1901 et vue intérieure de la halle avant les travaux de 1986. D.R.

 

2. Montage de la halle Eiffel sur le site Bouchayer-Viallet à Grenoble en 1901 et vue intérieure de la halle avant les travaux de 1986. D.R.
3. Plan du MAGASIN-CNAC, D.R.

Ces espaces, à chaque fois transformés, génèrent des dispositions uniques, dont on ne conserve le souvenir qu’au travers des vues d’expositions. Nous avons répertorié au MAGASIN différents types de photos d’expositions. Il y a les photos d’expositions réalisées par Blaise Adilon mais aussi les photos de vernissages, desphotos de montages, d’artistes ou de personnalités qui passent. Une multitude de photographies qui induisent différents usages correspondant à différentes temporalités.

4. Vue de la « Rue » du MAGASIN-CNAC. Architecte : Patrick Bouchain.

 

5. Sol Lewitt, Pyramids, MAGASIN-CNAC. Photo : Quentin Bertoux.
6. Pietro Roccasalva, The Unborn Museum, MAGASIN-CNAC, 2013. Photo : Blaise Adilon.

Tout d’abord à court terme, car il faut rapidement des photos pour les besoins de la communication. Nous demandons donc à Blaise Adilon de faire des photos de l’exposition pour les envoyer à la presse et parfois pour des catalogues d’expositions qui sont imprimés dans la foulée, et puis pour tout autre support de communication.

Continuer la lecture de Les archives photographiques d’expositions 6/9 : De l’exposition temporaire à l’archive numérique : la mutation du statut de la photographie muséographique. L’exemple du MAGASIN. 

  1. Léa Deshusses est responsable du service de la communication au MAGASIN – Centre National d’Art Contemporain de Grenoble depuis 2011. Titulaire du double diplôme franco-allemand de l’Institut d’Etudes Politiques de Lille et de la Westfälische Wilhelms-Universität de Münster en Allemagne, elle a travaillé auprès de la Chef de Cabinet au siège de ARTE à Strasbourg puis à la Direction des Projets de ARTE France à Issy-les-Moulineaux. Elle s’est consacré ensuite à son poste de chargée de mission livre au Consulat général de France à Toronto au Canada pendant deux années. []
  2. Claire Prêtre est archiviste au MAGASIN – Centre national d’art contemporain de Grenoble, en charge de la numérisation des archives photographiques et audiovisuelles depuis 2013. Elle a étudié les Lettres classiques à l’Université Paris-Sorbonne, ainsi que l’histoire de l’art et l’archéologie à l’Ecole du Louvre, où elle a obtenu son Diplôme de Premier cycle en spécialité Iconographie. Elle est titulaire du Diplôme de Muséologie et du Master II « Métiers du Patrimoine » de l’Ecole du Louvre, parcours professionnalisant en documentation et en régie des œuvres. []
  3. Frédéric Besson est graphiste et chargé du multimedia au MAGASIN – Centre National d’Art Contemporain de Grenoble depuis 2002. Il travaille au sein du service de la communication en charge de la numérisation du fonds documentaire du MAGASIN. Diplômé d’un BTS en industrie graphique à Grenoble, il a commencé sa carrière dans une entreprise de création de sites web dans la région grenobloise avant d’intégrer l’équipe du MAGASIN. []

Les archives photographiques d’expositions 7/9 : Les archives photographiques et la photothèque du CAPC

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
7/9 : Les archives photographiques et la photothèque du CAPC musée à Bordeaux.
Par Anne Cadenet1 et Catherine Vigneron2 

« Toute conscience est donc mémoire, conservation et accumulation du passé dans le présent »3 .

Cette définition de la conscience selon Henri Bergson pourrait, si l’on s’interroge sur la constitution des archives photographiques des expositions du capc4 , permettre de saisir l’intention de Jean-Louis Froment5 .

Dès 1973, avec l’exposition nomade Regarder ailleurs, Jean-Louis Froment demande que soient photographiées les expositions du capc, un lieu consacré à l’art contemporain. L’idée essentielle de ce projet, qui s’élaborera dans le temps, était de communiquer sur et à partir de l’exposition à travers les réseaux de diffusion de l’époque : la presse, les revues d’art ou les catalogues d’exposition. Jean-Louis Froment avait acquis la conviction qu’il était nécessaire pour le capc d’exister sur le plan international et national à travers les photographiques de vues d’expositions. Pour lui, l’enregistrement de cette aventure, dès Regarder ailleurs, était « absolument évident »6 .

Les archives photographiques, telles que nous les identifions aujourd’hui, comprennent essentiellement des clichés des montages et vues d’expositions, des reproductions d’œuvres, des portraits d’artistes, des ateliers et animations, des vernissages ou évènements culturels associés et témoignent des choix opérés par Jean-Louis Froment et des quelques commissaires invités à développer un projet pour la nef de l’Entrepôt Lainé (Harald Szeemann, Laurent Busine, Nicolas Bourriaud…).

A partir de 1973 se constitue donc une documentation photographique qui, au fil des années, va s’enrichir considérablement jusqu’à atteindre 60 000 documents photographiques aujourd’hui. Les photographies issues des différentes commandes (reportage lors des vernissages7 , montage des expositions, portrait d’artistes et bien sûr photographies des expositions) impliquèrent une professionnalisation des missions de la photothèque.

1. Exposition Regarder ailleurs_Claude Viallat. 1973. photo A. Morain. Courtesy CAPC musée d’art contemporain Bordeaux.

En 1981, Jean-Louis Froment fait appel à des photographes professionnels pour l’exposition Depuis la couleur puis celle consacrée, la même année, à Simon Hantaï. Les ektachromes 10/12 réalisés par Photo Iso (Photographie Industrielle du sud-ouest) sont parmi les premiers supports de grand format à enrichir le fonds de la photothèque. Parmi les photographes ou vidéastes ayant accompagné le début de cette aventure se trouvaient André Morain, Jean-Marie Blanc puis Frédéric Delpech qui photographiera les expositions jusqu’en 2007.

Continuer la lecture de Les archives photographiques d’expositions 7/9 : Les archives photographiques et la photothèque du CAPC 

  1. Anne Cadenet est responsable du service Collection Documentation Archives du CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux. Après des études en Histoire de l’art et en Philosophie, elle travaille au Frac Poitou-Charentes puis intègre l’équipe du capcMusée en 1990. En tant que responsable scientifique de la collection, elle collabore à plusieurs expositions dont L’œuvre et ses archives en 2011, Trahison en 2007 et réalise l’inventaire du Fonds d’atelier de l’artiste iranienne Chohreh Feyzdjou appartenant à l’Etat et mis en dépôt au CAPC musée. Elle est l’auteur de plusieurs articles sur la collection Histoire d’une collection (2007, Masterpieces, avec François Guillemeteaud, Féret Ed. Bordeaux) et sur l’œuvre de Chohreh Feyzdjou dont L’inventaire inattendu (2007, CNAP Isthme Ed) Une œuvre singulière, une quête universelle (2010, revue des musées de France), Iranienne en plus juive, c’est une merde compliquée. Autoportrait en merde compliquée, (2010, cat. Dialogues d’exils Chohreh Feyzdjou, Pierre Matthey, Amiens), Product of Chohreh Fezdjou n’est pas un produit, mais un volume d’air noir (2013, cat. du CAB, Bruxelles). a.cadenet@mairie-bordeaux.fr []
  2. Catherine Vigneron est responsable du Service Ressources Image de la DGAC (Direction Générale des Affaires Culturelles) de Bordeaux. Diplômée des Beaux-arts, en 1982, elle intègre le capc pour y développer la photothèque. A partir de 1998, elle élargit son champ d’activités en mutualisant la production et la gestion des images de l’ensemble des musées et des établissements culturels de la ville de Bordeaux. Elle engage le Service Ressources Images dans l’ère du numérique et gère la photothèque commune à l’ensemble de la DGAC et les campagnes de numérisation des collections et des archives photographiques des différents musées. Elle assure également, de temps à autres, des commissariats d’expositions. c.vigneron@mairie-bordeaux.fr []
  3. « L’Energie spirituelle », Henri Bergson, éd. PUF, p. 5 []
  4. De 1973 à 1984, le logo capc s’écrit en bas de casse puis de mai 1984 à 2006, il devient le capcMusée et en 2006 le CAPC musée d’art contemporain. Le texte respecte les variations typographiques. []
  5. qui créa et dirigea le CAPC durant plus de vingt ans. []
  6. Conversation téléphonique avec Jean-Louis Froment du 12 décembre 2013. []
  7. On citera par exemple André Morain []

Les archives photographiques d’expositions 8/9 : Les années CAPC

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
8/9 : Les années CAPC musée d’art contemporain.
Par Frédéric Delpech1

 

1. Exposition Robert Morris, Steam. 17 mars – 30 juin 1995. Entrepôt capcMusée, Bordeaux. Photo : Frédéric Delpech. © Delpech/CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux

La création du Centre d’art plastique contemporain (CAPC) à Bordeaux qui devint Musée d’art contemporain en 1990 favorisa le développement de réflexions et d’expériences artistiques et culturelles novatrices. Rémi Parcollet m’a proposé de raconter l’histoire de la photographie au CAPC entre 1980 et 2000 à laquelle j’ai étroitement participé en tant que photographe et qui fut essentielle dans mon propre parcours, bien que je n’appartienne pas et ne représente pas ici cette institution.

Je voudrais d’abord citer deux acteurs déterminants dans cette aventure: Jean Louis Froment, le fondateur du CAPC, qui est à l’origine du Musée et de ses développements et Catherine Vigneron, alors iconographe au CAPC puis aujourd’hui responsable du Service Ressources Images à la mairie de Bordeaux, qui fut pendant 20 ans une partenaire de travail.

Alors que pour la première fois il m’est demandé de montrer ces images, je voudrais dire combien les questions qui sont abordées dans ce colloque me concernent, nous ont concernés au CAPC depuis très longtemps et combien je suis ravi de pouvoir les partager.

Après des études de lettres ma première activité touchant la photographie a été littéraire puisque je rendais compte des expositions dans ma région pour la revue « Photographies Magazine ». Photographe autodidacte, j’ai ensuite décidé de vivre de la photographie et de m’intéresser au domaine culturel, plus particulièrement aux arts plastiques. Fin 1981, j’ai pris rendez-vous avec Jean Louis Froment directeur du CAPC qui m’a proposé de faire un essai et de photographier le vernissage de l’exposition Richard Long le mois suivant. Jean Louis Froment avait déjà engagé une politique de conservation des traces des activités du Centre. Il apprécia les photographies et me proposa de continuer à réaliser des reportages, les vernissages, les conférences, les spectacles, en l’occurrence un concert de Steve Lacy face à un cercle de bois brulés de Richard Long.

2. Montage de l’exposition Sol LeWitt, Structures et Wall Drawings. 6 mai-27 août 1983. Entrepôt Lainé, Bordeaux. Photo : Frédéric Delpech. © Delpech/CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux

 Au printemps 1983, le suivi du montage de l’exposition Sol Lewitt constitua le premier travail d’envergure qui me fut proposé. A ce moment là la pratique du noir et blanc dominait. Seules les vues d’exposition étaient doublées, en noir et blanc et en diapositives couleur auxquelles s’ajoutaient quelques ektachromes 10x12cm. Continuer la lecture de Les archives photographiques d’expositions 8/9 : Les années CAPC 

  1. Frédéric Delpech est photographe depuis 1981, dans le domaine culturel et pour les arts plastiques. Spécialiste des questions liées à la représentation il a développé des collaborations multiples avec de grandes institutions, musées, centres d’art, FRAC, avec des galeries ou directement avec des artistes dont il a constitué les archives. Il est connu pour avoir été la mémoire des activités du capcMusée de Bordeaux durant toute la période des grandes expositions organisées par Jean-Louis Froment. Il a photographié de nombreux artistes et écrivains, et depuis 2003 réalise aussi des films vidéo. Il enseigne la photographie à l’Ecole  supérieure d’art des Pyrénées. []

Les archives photographiques d’expositions 9/9 : Présentation du site Expositions Modernes

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
18 octobre 2013 au Centre Pompidou
9/9 Présentation du site <expositions.modernes>
Par Christian Besson

Généalogie

J’ai abordé la photo d’exposition en rédigeant des catalogues. Il y a d’abord eu cette exposition qui s’intitulait Mise en pièces, mise en place, mise au point, et qui s’intéressait à des œuvres n’ayant d’existence que mises en espace, des œuvres pour lesquelles il y avait recouvrement entre les notions d’œuvre et d’exposition. Avec mes amis du Coin du miroir, nous avons décidé dès le départ de publier le catalogue après coup, afin qu’il contienne des vues de l’exposition. D’ordinaire, les vues d’expositions étant absentes des catalogues, cela donnait des situations parfois pénibles. Je me rappelle que pour écrire un texte sur les installations de Jacques Vieille, je regardais les catalogues précédents : pour chacune, je n’avais pas les photographies de l’exposition dont le catalogue devait rendre compte, mais je devais aller les chercher dans le catalogue de l’exposition suivante ! J’en suis venu à faire une espèce de liste des œuvres-expositions de Vieille, avec chaque fois un renvoi indiquant où était publiées les photographies des œuvres en question.

À la même époque, en 1981, j’ai organisé une exposition qui portait sur la photographie d’artiste, ce qu’on appelle aujourd’hui « photographie plasticienne », avec James Collins, Gilbert & George, Urs Lüthi, John Hilliard, Hamish Fulton, Annette Messager, Christian Boltanski, Jan Dibbets, et d’autres. Le propos était de tenir ces photos pour des « façons de peindre » et donc de montrer leur appartenance au mur. J’avais bien entendu les reproductions de ces œuvres, mais plutôt que de les mettre dans le catalogue, j’ai demandé au photographe avec qui je travaillais régulièrement (un excellent photographe de mariages !) de photographier l’accrochage, en prenant toutes les œuvres de face, à la même distance, avec le départ du mur chaque fois au même niveau dans le cadrage. On a eu ainsi, dans le catalogue, une espèce de « déroulé » qui rendait compte de la présence matérielle des œuvres au mur.

Avoir conscience de la matérialité et de la présence des œuvres, c’est prendre en compte leur mode d’existence. Par exemple je trouve aberrant que dans un catalogue sur l’art conceptuel ou l’art minimal on reproduise des œuvres (et parfois des vues d’installations) qui sont mises en espace postérieurement, sans indiquer le côté tout à fait anachronique de ces mises en espace — l’alibi étant que c’est de l’art conceptuel, et donc que la manifestation matérielle est indifférente1 . Ce sont parfois des mésinterprétations de ce qu’était réellement leur mise en espace d’origine : immanquablement, on les met dans un white cube beaucoup plus clean que ce ne l’était ! Bref ! Il y a une historicité des modes d’existence des œuvres et les photographies d’expositions en témoignent.

Lorsque je me suis mis à enseigner l’histoire de l’art contemporain de 1960 à nos jours (à Montpellier, puis à la HEAD-Genève), j’ai de plus en plus projeté des vues d’expositions pour expliquer comment c’était quand les choses ont émergé. J’ai ainsi constitué toute une photothèque sur le sujet.

Il y a eu par la suite un premier projet avorté de faire une base de donnée avec le Fonds national Suisse. Puis finalement une subvention, avec le Fonds de la recherche des Hautes écoles spécialisées de Suisse occidentale, pour étudier les dispositifs d’expositions. Au final, il fallait  » valoriser la recherche « , comme on dit. C’est ainsi qu’est né le site « expositions.modernes« , qui répondait aussi à une visée pédagogique.

Sélection et problématisation

Du point de vue pédagogique, je n’avais pas du tout envie de faire quelque chose d’exhaustif, c’est à dire une base de données pléthorique. Cela ne m’intéressait pas, non pas pour des raisons de moyens, parce que j’aurais pu trouver des subventions pour le faire, mais pour des raisons intellectuelles : j’ai toujours pensé que compiler des milliers d’expositions et des milliers de vues, indistinctement, était vain.

Il y a de bonnes adresses et des adresses sans grand intérêt. Sur les centaines d’expositions que font les musées, il y en a peut-être 1% à retenir, et dont on peut parler aux étudiants.

Il faut problématiser l’histoire. Prenons par exemple le problème du protocole d’exposition. Vous avez une exposition comme 18 Paris IV, organisée en 1970 par Michel Claura. C’est une exposition dont le protocole est tout à fait intéressant, avec un aller-retour d’informations entre commissaire et artistes. En la matière, elle fait tout à fait date. On pourra toujours avoir les milliers d’expositions compilées sur le site du MOMA, ce problème ne sera pas abordé.

Il faut donc voir ce qui fait sens sur un certain nombre de questions comme le carton d’invitation, la durée de l’exposition, l’utilisation du lieu, brut de décoffrage ou pas, le palimpseste, la relation, etc., pour ne pas parler du display qui est devenu une tarte à la crème. C’est en problématisant notre sujet que l’on peut faire un travail qui aie un peu du sens.

Et puis avoir un outil aussi qui puisse accueillir des recherches en cours comme des excroissances par rapport à cette base d’adresses, à ces thèmes, parce qu’il y a tel ou tel chercheur qui a travaillé plus particulièrement sur un point ; d’un seul coup, il y a un développement très important, à un endroit ponctuel, que l’on peut accueillir ; c’est ce que j’avais fait en travaillant un peu sur la notion de dispositif.

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  1. L’exposition I2ACd (image d’images de l’art dit conceptuel) mettait à bas cette fable. []

Les archives photographiques d’expositions 3/9 : Villa Arson

Actes de la journée d’étude « Les archives photographiques d’expositions »
17 octobre 2013 INHA, salle Vasari.
3/9 : « de l’art et d’archives »
Par Éric Mangion1

Pour commencer, je voudrais dé-contextualiser mon intervention de toute obligation institutionnelle quant à la nécessité pour un centre d’art de constituer des archives d’expositions par obligation de mémoire et pour sa propre histoire, voire pour sa propre légende. Je ne renie pas la nécessité et la réalité, mais je pense que mes collaborateurs, Cédric Moris Kelly et surtout Patrick Aubouin, en parleront mieux que moi.

Il faut également vous dire que ce travail a longtemps été une source de contraintes pour moi et pour l’équipe qui m’entoure. En effet, nous avons à mon goût consacré beaucoup trop de temps à l’archivage et à la numérisation de documents au détriment du vivant, de la création et donc des expositions. Ce travail de longue haleine engendre par ailleurs une frustration récurrente causée par l’impression de travailler sans cesse dans une sorte d’obsolescence des moyens que nous développons qui, très vite, sont dépassés par d’autres techniques, et ce compte tenu de l’avancée permanente des nouvelles technologies.

Néanmoins, et malgré toutes ces contraintes ou limites, j’ai pendant toutes ces années largement soutenu et encouragé ce travail d’archivage. Non seulement je l’ai encouragé, mais l’archivage au sens général du terme a été pour moi – et l’est encore – une source d’inspiration esthétique qui dépasse largement la sphère de la documentation et du classement/rangement mémoriel. « Penser/Classer », selon l’incontournable titre de Pérec. Ainsi, parallèlement au travail que nous avons pu mener sur les archives de nos expositions passées (des premières organisées à la Villa Arson en 1984 à la disparition de l’argentique en 2005), la programmation du centre d’art de ces dernières années a reflété de manière intrinsèque une véritable réflexion sur l’archive comme paramètre contingent à l’art et forme artistique en soi. Ce que l’art fait à l’archive et ce que l’archive fait à l’art. Même si l’archive n’était pas le seul sujet ou objet d’exposition (loin de là d’ailleurs), je considère d’ailleurs que cette programmation et la constitution de nos propres archives sont un seul et unique projet, un projet à double tête qui avait pour but de s’inscrire dans le temps qui est le nôtre, ce qui constitue à mon sens l’une des principales missions d’un centre d’art contemporain : interroger son temps, son époque.

Notre époque est justement marquée par le fait que nous ne cessons d’accumuler de l’archive, de stocker de l’information. Par le biais du développement du numérique, d’internet et de toutes sortes de nouvelles technologies, nous vivons on le sait dans un monde qui ne fait que s’auto-compiler. Je n’invente rien : la somme des datas est déjà beaucoup plus conséquente que celle des livres papier, des objets ou des images en deux dimensions tels que nous les avons connus jusqu’à ce jour (par « objets » ou « images » j’entends notamment les œuvres d’art des musées). Je ne suis pas vraiment compétent pour livrer un avis sur ce phénomène, ni un critique de la disnovation, mais il était très excitant pour nous de créer notre propre base de donnée en ligne afin de mieux comprendre comment fonctionne un tel outil, ce que cela engendre ou remet en cause, avec toutes les limites que je viens d’évoquer. Cette réflexion sociologique (voire anthropologique) fut également à l’origine d’une exposition que nous avons menée en 2012 sous le titre L’institut des archives sauvages. Cette dernière avait pour objet de réunir des artistes qui inventent des formes d’archivage éloignées de tout formatage, de tout nivellement néo-académique propres aux normes générales imposées par les systèmes traditionnels.

Ce n’est donc pas pour rien que toute une génération d’artistes fait preuve depuis le milieu des années 2000 d’un intérêt croissant pour la recherche documentaire. Certains les ont appelés artistes sémiologues ou « sémionautes » (dixit Nicolas Bourriaud), archéologues pour d’autres. Des artistes comme Ryan Gander, Jeremy Deller ou Aurélien Froment – que nous avons tous exposés à la Villa Arson – vont dans ce sens. Je souhaitais donc que le centre d’art que je dirige mène une réflexion théorique et formelle sur ce phénomène esthétique de notre temps. L’exposition de Roman Ondák, menée en 2010, ne consistait pas par exemple à montrer son travail traditionnel d’installation (parfois spectaculaire comme à la Biennale de Venise en 2009), mais à témoigner en grande majorité d’installations déjà réalisées ou à venir, et ce par le biais de divers medium liés à la mémoire de ses propres œuvres, en inventant pour la cause une auto-documentation originale et singulière. La plupart des objets exposés pouvaient être considérés comme de sortes de prototypes (même si je ne suis pas sûr que l’artiste accepte ce terme).

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  1. Éric Mangion est coordinateur du programme des expositions et des rencontres du centre national d’art contemporain de la Villa Arson depuis 2006. Il a notamment programmé un cycle d’expositions conçues à partir de pratiques éphémères (son, poésie ou performance). 
Il a été directeur du Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur de 1993 à 2005 dans lequel il a axé une partie de la collection sur des oeuvres évolutives à partir d’éléments génériques. Il fut également directeur artistique du Festival Printemps de Septembre pour l’édition 2010 Une forme pour toute action, curator associé du Festival Live à Vancouver en 2011 et co-commissaire en 2014 des Modules Vivien Roubaud, Thomas Teurlai et Tatiana Wolska au Palais de Tolyo.
 Critique d’art ayant participé à de nombreuses revues dont Art Press, il assure en 2007 la direction artistique de la revue Fresh Théorie III. mangion@villa-arson.org []

Les expositions Mona Hatoum au Centre Pompidou

1993 : Germain Viatte, directeur du MNAM, programme l’exposition Mona Hatoum pour l’année suivante. Il s’agit de la première exposition de l’artiste en France, et qui plus est, sa première exposition dans une institution muséale. L’exposition monographique présente  dans trois salles six oeuvres majeures couvrant onze années de travail de l’artiste. Le commissariat de cette exposition est alors confié à Christine Van Assche (L’époque, la mode, la morale, la passion en 1987 ou encore Vidéo Vintage 1963-1983 en 2012) et la scénographie est réalisée par Laurence Fontaine, architecte scénographe. En 2015, la même équipe conçoit une nouvelle monographie témoignant de quarante années de travail avec plus de cent œuvres présentées.

Une artiste aux multiples facettes

D’origine palestinienne, Mona Hatoum vit et travaille à Londres depuis le milieu des années 1970. Née à Beyrouth en 1952 après que ses parents s’y soient exilés en raison du conflit israélo-palestinien, Mona Hatoum grandit et apprend le français durant ses études secondaires dans la capitale Libanaise. En 1975, elle se rend à Londres où elle envisage de faire ses études supérieures. Elle y reste finalement par obligation puisque la guerre du Liban éclate et l’empêche de rentrer. Séparée de sa famille, Mona Hatoum entreprend des études d’art et obtient un diplôme de The Slade School of Art en 1981. Dès 1980, elle réalise sa première performance Don’t Smile, You’re on Camera !.

Vers le milieu des années 1980, estimant « que la performance comme médium était devenue quelque chose d’assez institutionnalisé et avait perdu son aspect critique » [1] , l’artiste s’ouvre à la vidéo et à l’installation, favorisant « une approche plus mesurée/réfléchie » [1] dont l’immédiateté, et l’improvisation parfois, induites par la performance, manque. Qu’il s’agisse de performance, vidéo, sculpture ou installation, le travail de Mona Hatoum joue sur l’ambiguïté, les opposés. Engagées ou pleines de légèreté, délicates et brutes à la fois, les œuvres de Mona Hatoum peuvent être aussi sérieuses que drôles. Elles sont aussi politiques qu’autobiographiques, évoquant autant l’histoire personnelle de l’artiste que des sujets de société.

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Une œuvre attirante et repoussante

La première exposition de l’œuvre de Mona Hatoum au Centre Pompidou s’inscrit avant tout dans une programmation plus vaste qui comprend les expositions Gary Hill et Stan Douglas et apporte une réflexion sur les relations entre l’espace, l’architecture et le visiteur « […] et enfin les rapports désormais incontournables entre le spectateur et l’œuvre » [2]. Si l’exposition a lieu du 8 juin 1994 au 12 septembre 1994, la question des dates de celle-ci fait l’objet de plusieurs changements avant d’être arrêtée. L’exposition est initialement prévue entre mars-avril 1994 afin, selon une correspondance de Christine Van Assche à Germain Viatte, « […] d’établir une liaison entre [l’œuvre de Mona Hatoum] centrée sur la question du corps et les recherches sur le corps scientifiques dans la Revue virtuelle [du Centre Pompidou] »[3]. Par la suite, la date est repoussée entre octobre et décembre 1994 mais Mona Hatoum n’est pas disponible à ses dates. Mona Hatoum souhaitant s’investir dans le projet et dans une volonté de satisfaire autant le public que l’artiste et de présenter Mona Hatoum au public parisien, le Centre Pompidou, à force de discussion et de travail entre les différents membres de l’équipe, fixe les dates du 8 juin au 22 août 1994. C’est finalement un changement de programmation de dernière minute qui permet à l’exposition Mona Hatoum de jouer les prolongations.

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Art d’Amérique Latine 1911-1968 : Une exposition controversée

Vue de salle, photographe : B. Prévost. @Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky.
Vue de salle, photographe : B. Prévost. @Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky.

Le Centre Pompidou présentait du 11 novembre 1992 au 12 janvier 1993, la première exposition rétrospective sur l’art latino-américain en France, Art d’Amérique Latine 1911-1968.

Grand défi, celui de présenter une synthèse de l’art de plus d’un demi-siècle d’histoire de 12 pays différents, avec plus de 400 œuvres de plus de 90 artistes. Le choix, fait par Waldo Rasmussen –responsable de l’International Program du MoMA de New York et commissaire de l’exposition– va provoquer une énorme polémique en France et ailleurs. De nombreux articles parus dans la presse vont critiquer une vision encore colonialiste de l’art du continent latino-américain qui réduisait la production  artistique latino-américaine à un art fait d’influences. Ainsi le fait que la plupart des artistes retenus étaient tous présents dans le marché de l’art nord-américain contribua à la polémique qui a déclenché l’exposition.

 Cette exposition fut originellement conçue pour l’Exposition Universelle de Séville de 1992, puis présentée aussi au Centre Pompidou, au Musée Ludwig de Cologne et au MoMA de New York.

Art d’Amérique Latine 1911-1968 fut l’un des événements principaux proposés par  le Centre Pompidou pour célébrer le cinquième centenaire de la découverte de l’Amérique. Dans le cadre de cette commémoration, l’UNESCO a développé le projet Cinquième centenaire de la Rencontre des Deux Mondes, piloté en France par le Ministère de la Culture. Ce projet culturel mobilisa un grand nombre d’institutions européennes pour faire de l’année 1992 une année consacrée à la culture latino-américaine. En France, par exemple, à l’occasion de cette célébration, les Rencontres de la Photographie d’Arles de 1991 ou le Festival d’Avignon de 1992 ont été consacrés à l’Amérique Latine. Le Centre Pompidou a contribué à cette commémoration  en organisant le cycle Amériques Latines  –onze manifestations au total programmées tout au long de 1992 dédiées à la peinture, la sculpture, la littérature, le théâtre ou la philosophie latino-américaine. La rétrospective consacrée à l’art latino-américain du XXe siècle s’inscrivait donc dans cet événement Amériques Latines au même temps que d’autres expositions comme L’univers de Borges, Jorge Amado, écrivain de Bahia, l’exposition de photographie Figures et caractères, un cycle consacré au cinéma mexicain ou le séminaire de philosophie Amériques Latines : Une altérité.

Vue de salle, photographe : B. Prévost. @Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky.
Vue de salle, photographe : B. Prévost. @Centre Pompidou, Bibliothèque Kandinsky.

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