Archives mensuelles : juillet 2015

Entretien avec Jean-Paul Gourévitch, commissaire associé de l’exposition « L’imagerie politique », Centre de Création Industrielle, 1977.

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Affiche “L’imagerie politique”, CCI, 1977. Conception graphique : Petronio & Butcher. ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou.

L’exposition L’imagerie politique inaugure le transfert du Centre de Création Industrielle au Centre Georges Pompidou dès son ouverture en 1977. Plus connu en tant que spécialiste dans ce domaine mais aussi collectionneur d’objets et d’affiches politiques, Jean-Paul Gourévitch est alors invité par Gilles de Bures en tant que co-commissaire aux côtés de Marsha Emanuel. Il revient sur ce projet et y apporte quelques éclairages rétrospectifs.

Le plan de montage présent dans les archives du Centre Georges Pompidou témoigne d’un ensemble de sections listées selon un certain ordre. Pourriez-vous en parler ?

En ce qui concerne l’ordre, il faut vous imaginer l’exposition. Dans celle-ci, le public circulait très librement. Ce n’était pas une présentation linéaire, il y avait des blocs. Donc on pouvait très bien aller du bloc qui représentait par exemple les codes, à celui qui reprenait les chefs d’Etats. La partie audiovisuelle était un montage diffusé sur la musique d’Haendel, plus connue en tant que bande originale du film Barry Lindon de Kubrick. J’avais constaté qu’elle avait été ajournée à plusieurs reprises pour problème technique, peut-être est-ce la raison pour laquelle ils ne l’ont pas gardée pour l’itinérance. Donc oui, il y a bien un plan de montage élaboré selon une structure par blocs mais il n’y a pas d’itinéraire balisé. Ce n’était pas un système qui allait de « petit a » à « petit b » mais l’idée était malgré tout de circuler, comme dans tout genre d’exposition. Simplement j’avais souhaité que l’ensemble des codes soient sur des panneaux formant chacun une unité mais en étant liés les uns aux autres.

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Vue de l’exposition “L’imagerie politique”, CCI, 1977. ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou.

Quel sens ce choix apportait-il au projet ?

Il fallait que l’on retrouve un axe du parcours dont le principe était de montrer les différentes facettes de l’imagerie politique qui les représentaient. Est-ce que ce sont des affiches d’exaltation ou des tactiques de dénonciation, quels sont les codes ou les thèmes qui sont utilisés, quels sont les rapports entre les figurations des personnages et des sujets tout-à-fait annexes. Le choix était thématique et visait à montrer d’un côté la diversité de l’imagerie politique mais aussi, de fait, de faire prendre conscience que quels-que-soient les pays, quels-que-soient soient les régimes, il y a un certain nombre de codes communs.

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Fernand Léger exposé aux enfants

Mettre en scène l’oeuvre de Fernand Léger pour les enfants.

Dès les années 1970, une réflexion émerge afin de faire des enfants un public à part entière de l’institution muséale. Le musée doit désormais être un lieu pour le public le plus large et aussi pour un public non initié. Le Centre Pompidou s’inscrit dans cette réflexion en créant  un Atelier des enfants en son sein, comme un espace de l’institution à part entière.

« Apprendre aux enfants de 4 à 12 ans à regarder, toucher, à goûter, à sentir, pour faire aimer, en s’adressant surtout à l’imagination et à la sensibilité, ces deux pôles de créativité. Éveiller les enfants à la création contemporaine et réaliser cette éducation sensorielle si différente de l’approche chronologique traditionnelle, tels sont les buts de l’Atelier des enfants ».

Tels sont les mots de Danièle Giraudy, conservatrice du Centre Pompidou de 1972 à 1981, en 1975 soit deux ans avant l’inauguration du Centre. Au fil des années l’Atelier des enfants, qui devient en 1992 la Galerie des enfants, donne au jeune public une approche plurielle du monde, des objets, des matières, qui s’étend de la simple activité récréative au véritable apprentissage artistique. De cette façon l’Atelier des enfants a les compétences pour concevoir des expositions qui lui sont propres ou pour accompagner des manifestations plus importantes organisées dans le Centre.

L’Atelier Fernand Léger, sens dessus dessous qui se déroule dans la galerie des enfants, s’inscrit dans cette perspective qui est de venir en support de l’exposition Fernand Léger (1881-1955) présentée dans la Grande Galerie du Centre Pompidou du 29 mai 1997 au 19 septembre 1997. L’Atelier pédagogique débute à partir du 2 juillet jusqu’à la fin de l’exposition s’inscrivant ainsi en pleine période estivale afin d’attirer un jeune public le plus large possible.  Cet atelier a pour objectif de faire découvrir la peinture de Fernand Léger aux enfants âgés de 6 à 12 ans par le biais de différents jeux autour des œuvres majeures de l’artiste présentées dans l’exposition telles Les Grands Plongeurs noirs de 1944, La Grande Parade de 1954 ou encore Les Quatre cyclistes exécutée entre 1943 et 1948.

Ces jeux, au nombre de cinq, sont divisés dans trois thématiques : Les Grands plongeurs noirs / Forme libre / Atelier :

  • Le premier jeu est un puzzle où les enfants doivent recréer l’œuvre Les Grands plongeurs noirs de Fernand Léger à partir de vingt-six pièces peintes selon les couleurs réelles de la peinture et d’une projection de l’œuvre.
  • Les deuxième et troisième jeux donnent la possibilité aux enfants d’assembler des silhouettes redessinées d’après Les Grands plongeurs noirs sur le sol ou sur un mur de taule métallique. D’un jeu à l’autre seul la dimension varie, le troisième jeu était beaucoup plus grand afin que les enfants interprètent les dimensions de l’œuvre à leur guise.
  • Le quatrième jeu s’inscrit dans la deuxième thématique de l’atelier, dans ce jeu, les enfants interviennent au sein même de l’œuvre de Fernand Léger en posant les couleurs selon leur goût sur des graphismes tirés des œuvres de l’artiste projetés sur des écrans au sol.
  • Enfin le parcours se clôture sur la réalisation d’un jeu par les enfants avec lequel ils repartiront dont le but est de faire disparaître et apparaître les couleurs.
Vue de l'exposition "Fernand Léger (1881-1955)" - Salle 17
Vue de l’exposition « Fernand Léger (1881-1955) » – Salle 17 ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou, photographe Jacques Faujour.

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Cécile Lenoir

Etudiante en Master 1 Médiation culturelle, patrimoine et numérique à l'université de Nanterre. Les années traitées pour le catalogue raisonné des expositions sont 1991 et 1997 et l'exposition approfondie est la rétrospective "Fernand Léger (1881-1955)" de 1997.

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Le Forum : le symbole du Centre Pompidou

Dès l’ouverture en 1977, le Forum est devenu une place symbolique pour le Centre Pompidou comme la pyramide l’est aujourd’hui pour le musée du Louvre. En terme de programmation culturelle, beaucoup d’expositions importantes s’y sont déroulées jusqu’à nos jours.

La question de la fonction du Forum a surgi en travaillant sur une exposition : celle qui s’est tenue en 1996, Design japonais 1950-1995.  Cette exposition montrait la diversité du design japonais, son évolution et ses points forts. Sur les deux niveaux du Forum, le parcours de l’exposition donnait à voir quelques 300 objets sélectionnés pour leur qualité esthétique et leur portée historique dans de nombreux domaines : mobilier, design industriel, graphisme, packaging, objets de la table, textile et mode.

Ce qui m’a marqué sur l’exposition est la scénographie et le parcours spectaculaire. Dans le Forum Haut, un grand logo de l’exposition, que Katsumi Komagata, designer japonais a élaboré pour l’exposition, est installé au sol.  Ce logo consiste en cinq ellipses qui représentent à la fois les îles principales du Japon et les cinq périodes que l’exposition aborde. Puis des œuvres représentatives sont installées  – la voiture de Honda, la moto de YAMAHA, le tabouret de Sori Yanagi, etc.  Ces œuvres sont, pour ainsi dire des vedettes dans le domaine du design japonais, donnant au Forum Haut un rôle de bande-annonce de l’exposition à l’égard des visiteurs.

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Vue de l’exposition Design japonais 1950-1995 ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou, photographe Jean-Claude Planchet.

Dans le Forum Bas, nous pouvons observer une remarquable scénographie, des panneaux de toiles de coton grège. C’est une sorte de rideaux, appelé Noren en japonais, traditionnellement placée au seuil des maisons et des boutiques japonaises.  Cette installation audacieuse a la triple fonction de délimiter l’espace, d’accompagner une déambulation et de suggérer des passages.

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Vue de l’exposition Design japonais 1950-1995 ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou, photographe Jean-Claude Planchet.

En comparaison avec d’autres expositions dans les années 1990 qui se sont tenues dans les autres salles, telles que la Grande Galerie ou la Galerie Nord, la scénographie y était plus sobre et classique. Par exemple, l’exposition en 1992 et 1993, Art d’Amérique Latine 1911- 1968, qui s’est tenue dans la Grande Galerie.  Le Centre Pompidou a présenté la première rétrospective à Paris sur l’art de l’Amérique latine du début du XXe siècle à l’occasion de l’événement Amériques  Latines. Cette exposition reprend le même principe que l’exposition Design Japonais 1950-1995 : une exposition rétrospective d’une catégorie d’art. Cependant le parcours se déroulait chronologiquement et la scénographie était composée principalement par des cimaises et des murs, dans un parcours plutôt classique et convenu.

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Ryutaro NAMBU

Etudiant de l'Université Paris X. Master professionnel : Médiation culturelle, patrimoine et numérique. Le thème de recherche est la médiation culturelle franco-japonaise.

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« Au-delà du spectacle » : l’intraduisibilité

Une exposition peut-elle être traduite ? Peut-on la sortir de son contexte et l’intégrer dans un autre ? Quels sont les éléments immuables et quels sont les éléments adaptables ?

L’exposition « Au-delà du spectacle », qui a eu lieu en novembre-décembre 2000 au Centre Pompidou, est issue du projet « Let’s Entertain : Life’s Guilty Pleasures », conçu par le curateur Philippe Vergne pour le Walker Art Center (Minneapolis, Etats-Unis), dont il a assumé la fonction de directeur.

Comme Vergne l’explique, sa réflexion sur ce sujet avait deux points de départ : la sous-culture de la consommation et l’industrie du divertissement. Par exemple, un des points d’intérêt et des lieux les plus fréquentés est le Mall of America à Minneapolis, l’un des plus grands centres commerciaux du monde :

« J’ai commencé à réfléchir à cette exposition quand je vivais encore en Europe, avant d’arriver au Walker Art Center. Mais, en quelque sorte, elle est liée au Walker parce que l’exposition Fluxus, produite par le musée en 1993, m’a intriguée, surtout l’idée que les artistes de Fluxus tâchaient de mêler l’art et le divertissement. Quand on regarde l’histoire de Fluxus, on remarque qu’ils ont très souvent utilisé la structure des formes de spectacle existantes, comme le théâtre et le concert, mais en les transformant en autre chose. Ils ont utilisé l’attrait du divertissement traditionnel pour produire un projet où il s’agissait de changement ou de démolition de normes »1.

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Cindy Sherman, Untitled Film Still Series, 1977-1980

Le projet, impressionnant par son aspect visuel, a réuni des artistes dont les pratiques pouvaient être qualifiées de dominantes. Philippe Vergne explique qu’il voulait examiner la notion de globalité, les pratiques artistiques dominantes dans le contexte « global » du monde sans frontières. Vergne raconte qu’au niveau de la sélection des artistes, son point de départ était les créations de Dan Graham, Dara Birnbaum et Cindy Sherman. Au final, Dan Graham a participé à l’exposition avec la vidéo Rock My Religion, où il explore justement les parallèles entre rock et religion, en produisant ou suggérant des liens, fusions ou renversements inédits entre différents éléments constitutifs de l’histoire et de la société américaines. Dara Birnbaum a présenté TV’s Hollywood Squares, où elle construit une analyse des gestes et des regards codés des acteurs. La série de photographies Untitled Film Still Series (1977-1980) de Cindy Sherman expose un panorama des attitudes et des gestes typiques d’une féminité respectable dans le cinéma américain.

« Bien évidemment, l’exposition n’est pas une célébration de l’industrie du divertissement sans esprit critique, mais une méthode pour questionner et étudier celle-ci »2, explique Vergne dans le catalogue de l’exposition aux Etats-Unis.

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