Archives de catégorie : Entretiens

Entretien avec Jean-Paul Gourévitch, commissaire associé de l’exposition “L’imagerie politique”, Centre de Création Industrielle, 1977.

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Affiche “L’imagerie politique”, CCI, 1977. Conception graphique : Petronio & Butcher. ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou.

L’exposition L’imagerie politique inaugure le transfert du Centre de Création Industrielle au Centre Georges Pompidou dès son ouverture en 1977. Plus connu en tant que spécialiste dans ce domaine mais aussi collectionneur d’objets et d’affiches politiques, Jean-Paul Gourévitch est alors invité par Gilles de Bures en tant que co-commissaire aux côtés de Marsha Emanuel. Il revient sur ce projet et y apporte quelques éclairages rétrospectifs.

Le plan de montage présent dans les archives du Centre Georges Pompidou témoigne d’un ensemble de sections listées selon un certain ordre. Pourriez-vous en parler ?

En ce qui concerne l’ordre, il faut vous imaginer l’exposition. Dans celle-ci, le public circulait très librement. Ce n’était pas une présentation linéaire, il y avait des blocs. Donc on pouvait très bien aller du bloc qui représentait par exemple les codes, à celui qui reprenait les chefs d’Etats. La partie audiovisuelle était un montage diffusé sur la musique d’Haendel, plus connue en tant que bande originale du film Barry Lindon de Kubrick. J’avais constaté qu’elle avait été ajournée à plusieurs reprises pour problème technique, peut-être est-ce la raison pour laquelle ils ne l’ont pas gardée pour l’itinérance. Donc oui, il y a bien un plan de montage élaboré selon une structure par blocs mais il n’y a pas d’itinéraire balisé. Ce n’était pas un système qui allait de « petit a » à « petit b » mais l’idée était malgré tout de circuler, comme dans tout genre d’exposition. Simplement j’avais souhaité que l’ensemble des codes soient sur des panneaux formant chacun une unité mais en étant liés les uns aux autres.

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Vue de l’exposition “L’imagerie politique”, CCI, 1977. ©Bibliothèque Kandinsky, MNAM-CCI, Centre Pompidou.

Quel sens ce choix apportait-il au projet ?

Il fallait que l’on retrouve un axe du parcours dont le principe était de montrer les différentes facettes de l’imagerie politique qui les représentaient. Est-ce que ce sont des affiches d’exaltation ou des tactiques de dénonciation, quels sont les codes ou les thèmes qui sont utilisés, quels sont les rapports entre les figurations des personnages et des sujets tout-à-fait annexes. Le choix était thématique et visait à montrer d’un côté la diversité de l’imagerie politique mais aussi, de fait, de faire prendre conscience que quels-que-soient les pays, quels-que-soient soient les régimes, il y a un certain nombre de codes communs.

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Revivre l’exposition “Malevitch” hors-champ : entretien avec Chantal Quirot

Entretien réalisé en 2014 par Milena Paez, restauratrice des Architectones de Malevitch.

Germain Viatte, Noël Viard, Chantal Quirot attelés à la restauration du Carré noir, 1978, in cat. d’expo Jean-Hubert Martin, Malevitch – Architectones, Peintures et Dessins, Ed. du Centre Georges Pompidou, 1980, p. 28

CQ : J’ai commencé à travailler au musée national d’art moderne en 1976, comme restaurateur extérieur sous contrat avec le Centre. Germain Viatte, alors, conservateur en charge des collections, désirait créer un atelier de restauration permanent attaché à une collection, sur le modèle de ceux qui existaient dans d’autres pays d’Europe et aux Etats-Unis. La collection de peintures était alors beaucoup plus importante que celle de sculptures et un restaurateur de peinture, Jacques Hourrière, a alors été nommé à la tête de cette atelier ; je travaillais à mi-temps pour le musée, mais n’avais pas encore de poste .

J’étais donc la seule restauratrice de sculpture quand les architectones sont entrés dans les collections du MNAM. Ils avaient été conservés pendant de nombreuses années, emballés dans des cartons, dans de mauvaises conditions. Ils sont en plâtre, comme vous le savez, ils étaient mal emballés et sont arrivés très abîmés. Certains éclats recollés mesuraient deux à trois millimètres ! Pontus Hulten, alors directeur du musée m’a demandé d’entreprendre cette restauration. Je me souviens y avoir travaillé pendant presque deux ans. C’était un vrai puzzle. Avec Jean-Hubert Martin, conservateur au MNAM et commissaire  de l’exposition Malevitch, nous avons pris le parti d’une restauration minimum, dépoussiérage et collage des éclats sans masquer les joints de collage ni combler les lacunes, afin de ne pas toucher aux nombreuses traces inscrites sur le plâtre.

Si vous regardez attentivement les éléments “authentiques” des architectones dits “originaux”, vous distinguerez des zones de cassures et des manques. Les lacunes visibles  ne nous ont pas semblé compromettre la lisibilité des ensembles.

MP : Pourriez-vous revenir sur vos relations avec Poul Pedersen et l’équipe danoise ?

Au début, je n’avais que peu de relation avec Paul. Nos tâches étaient différentes. Il était impliqué depuis longtemps dans cette recherche et j’étais très jeune et loin de ses préoccupations concernant Malevitch. Jean-Hubert Martin m’avait expliqué le travail qui avait été fait en Suède. Nous travaillions l’un à côté de l’autre. Sa table était pleine de cubes  de plâtres de toutes tailles, tandis que sur la mienne de petits morceaux étaient étalés. Poul fabriquait les éléments manquants afin de reconstituer les ensembles. Nous  ne discutions pas beaucoup. La relation qui s’est tissée entre nous est intervenue vers la fin de l’opération et même bien après. En effet, Poul avait fini sa mission, et les architectones étant une sorte de puzzle où les différents éléments sont posés les uns sur les autres, le risque  de mélanger Gota avec Gota 2A, Beta, Alpha ou Zeta, était grand ; chaque ensemble pouvant être constitué d’une cinquantaine d’éléments.Jean-Hubert Martin avait également quitté le musée et j’étais la seule “survivant” de cette aventure. Je me suis donc à mon tour plongée dans ces architectones, étudiant, photographiant, faisant fabriquer des caisses de stockage adaptées, et tentant d’identifier les éléments restants. Ce travail a été entrepris en collaboration avec  Agnès de la Beaumelle, conservateur,  avec l’aide de l’atelier d’emballage du musée à qui nous avons demandé la fabrication de caisses adaptées.

C’est à cette occasion qu’à plusieurs reprises j’ai demandé  à Poul de m’aider à déchiffrer ce qui restait. Il a toujours répondu à mon appel. J’avais étalé sur une table tous les éléments non identifiés contenus dans trois grands tiroirs, et il est venu les trier : d’un côté ceux qui avaient été réalisés par Souiétine, de l’autre, ceux de Malevitch non rattachés à un ensemble.  Désormais il existe un tiroir entier d’architectones réalisés par Souiétine dont certains sont partiellement peints en rouge, deux tiroirs d’autres éléments non rattachés à l’un des ensembles.

Déballage et identification des éléments d'architectones, in Jean-Hubert Martin, "Archéologie des architectones", Les Cahiers du Mnam, janvier/mars 1980, p. 150-151
Déballage et identification des éléments d’architectones, in Jean-Hubert Martin, “Archéologie des architectones”, Les Cahiers du Mnam, janvier/mars 1980, p. 150-151

Cette rationalisation passait également par l’élaboration de dossiers, plans de montage et plans de caisse qui n’existaient pas. ll est clair que je ne regarde plus les architectones comme quand j’avais vingt ans. Depuis, j’ai installé les architectones dans de nombreuses expositions consacrées à Malevitch et à l’art de cette période, organisées dans le monde entier. J’ai vu  les  architectones conservés en Russie, exposés pour la première fois. Chaque nouvelle exposition Malevitch est l’occasion d’une découverte. Récemment encore, à Amsterdam, au Stedelijk, j’ai vu une photo ancienne de Zeta, qui ne correspondait pas tout à fait à la reconstitution faite par Poul Petersen. J’avais déjà constaté  sur Gota et Alpha, des différences entre les éléments conservés en Russie et ceux du MNAM. J’en ai fait part à Jean-Hubert Martin. Il m’a dit qu’en ce qui concernait Alpha, Malevitch lui-même avait apporté des variantes à ses architectones. Ce n’est pas le cas de Gota, où certaines parties reconstituées ne correspondent pas tout à fait aux éléments originaux du même ensemble appartenant au Musée Russe. J’aimerais beaucoup pouvoir parler avec Poul Petersen de ces constatations.

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Milena Paez

Doctorante à l'université Paris 8 (EDESTA), son projet de thèse porte sur les [Remakes et reconstitutions d'expositions], leur rapport à l'historicité des institutions qui les ont vu naître et les conséquences de leur transposition sémantique, géographique, culturelle et sociale. Formée en histoire de l'art, en muséologie et en esthétique (École du Louvre, Université Paris 1) son parcours l'a menée à s'interroger sur des recherches croisant histoire des collections, des expositions et histoire culturelle et sociale des musées.

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Jean-Claude Planchet, photographe au Centre Pompidou

Le Centre de création industrielle (CCI), créé par François Mathey (conservateur du musée des Arts décoratif entre 1955 et 1986), et François Barré en 1969, devient un département du Centre Pompidou en 1976 puis fusionne avec le MNAM en 1992.

Jean-Claude Planchet et Eustache Kossakowski sont les deux photographes qui travaillent pour le CCI peu avant l’ouverture du Centre Pompidou :

“Je suis arrivé tout au début en 1976 le centre n’était pas encore ouvert. On (les photographes du centre Pompidou) étaient compartimentés, chaque département, le Musée national d’art moderne, le CCI et le service de production audiovisuelle dont Philippe Migeat faisait partie, à l’intérieure même du service audiovisuelle il y avait la partie diaporama dont faisait partie Georges Meguerditchian, Jacques Faujour, Adam Rzepka et Béatrice Hatala étaient au MNAM et moi au CCI, donc spécifiquement les vues d’architecture, objet, design, vie social… j’ai fait pas mal de reportages”.[1]

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Adam Rzepka, photographe au Centre Pompidou

C’est par l’intermédiaire d’Eustache Kossakowski qu’Adam Rzepka intègre l’équipe de photographes du Centre Pompidou. Il travaille alors en binôme avec Jacques Faujour.

“A l’époque, j’ai été engagé pour les catalogues d’exposition avec Jacques Faujour. Pour toutes les expositions quand il manquait des photographies, on faisait appel à nous”[1].

Spécialiste de la photographie de sculpture, il assure les retirages des photographies de Brancusi. Il explique regarder des photographies réalisées auparavant sur des sculptures et en tirer des enseignements. Il a aussi été envoyé pour réaliser un reportage en Roumanie sur l’ensemble monumental de Targu-Jiu débuté en 1937 par Brancusi.

Si la photographie de sculpture lui laisse davantage de liberté, notamment au niveau de la gestion de la lumière, la peinture nécessite, selon lui, autant de réflexion :

“Tout le monde dit c’est facile de faire les peintures, mais la peinture il faut donner aussi le pinceau, la texture, c’est vivant, ce n’est pas plat. Maintenant qu’il y a la photo numérique il y a beaucoup de problèmes avec ça”[2].

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Béatrice Hatala, photographe au Centre Pompidou

Au cours des années soixante-dix, pendant la période du CNAC ‘Centre National d’Art Contemporain), puis de la préfiguration du Centre Pompidou, Jacques Faujour travaillait notamment avec Béatrice Hatala :

“Béatrice Hatala, est une très bonne photographe, qui, elle, s’occupait plus de la documentation, ce qui est devenu la bibliothèque Kandinsky maintenant. A la “doc” au départ elle faisait des diapositives de toute l’actualité artistique à Paris et éventuellement en province. Presque systématiquement elle allait dans les galeries et elle photographiait pour qu’il y ait au moins une trace de toute les expos passées, tout ça pour la doc, avec l’idée de partager avec les musées de province, et que les musées de province fassent pareil et redonnent. C’est ça l’idée au départ mais c’est vrai que c’était en même temps frustrant pour elle, parce que ses images sont restées dormir, elles sont utilisées maintenant mais sur le coup, elles restaient dormir (…)”[1].

En 1972, Béatrice Hatala[2], commence a travailler à Paris pour le CNAC comme photographe documentaire, avec l’objectif de créer une documentation très ambitieuse des œuvres et expositions des artistes contemporains, non seulement à Paris mais aussi en province. Ce travail s’envisageait dans le projet du Centre Pompidou.

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Jean-Christophe Mazur, photographe au Centre Pompidou

Jean-Christophe Mazur a suivi une formation de photographe aux Beaux Arts. Il a par la suite comme Jean-Claude Planchet vécu une première expérience dans le monde de la publicité, ce qui lui apporte une grande rigueur technique, notamment la maîtrise de la photographie à la chambre. Photographe indépendant, il est aujourd’hui enseignant à l’école des Beaux-Arts de Cergy et travaille occasionnellement pour le MNAM depuis les années 1980 en réalisant du reportage à l’extérieur :

“C’est Béatrice Hatala qui m’a fait venir au Centre. Ils cherchaient des photographes pour photographier les expos dans les galeries et dans les musées parisiens. Et là, on a été pendant trois, quatre ans, trois photographes indépendants à travailler à l’extérieur donc dans des galeries généralement sélectionnées par les conservateurs qui suivaient un artiste et on allait photographier les expositions comme ça en diapositives 24/36. Ça a duré entre quinze et vingt ans à peu près.(…) Béatrice Hatala gérait le système. Elle continuait à faire des photos dans le musée mais ne venait pas en extérieur. Je pense qu’elle était fatiguée d’aller à l’extérieur, c’est pour ça d’ailleurs qu’elle avait formé une équipe pour travailler à l’extérieur”[1].

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Georges Meguerditchian, photographe au Centre Pompidou

Georges Méguerditchian a suivi une formation à l’école Estienne à Paris. Il intègre l’équipe de photographes en 1975 lors de la préfiguration du Centre Pompidou.

“Au départ je n’étais pas sur les collections, je faisais partie d’un labo qui faisait des diaporamas. On fait tout ce qu’on nous demande de faire. Par exemple si c’est une expo du Centre de Création Industrielle sur la table, le pétrole ou sur les déchets, je peux me retrouver à faire des photos sur la plus grande décharge de France ou dans les cuisines de Bocuse”[1].

Au cours des premières années du Centre Pompidou, Georges Méguerditchian réalisait beaucoup de reportages à l’extérieur, notamment des visites d’ateliers d’artistes invités à exposer au musée :

“On a abandonné ça. A un moment donné on le faisait, à chaque fois qu’il y a une expo sur un artiste vivant on fait des images de chez lui, dans l’atelier etc… Ce que j’ai fait, il y a vingt ans, vingt-cinq ans, au début. Soulages dans son atelier à Paris”[2]. Continuer la lecture de Georges Meguerditchian, photographe au Centre Pompidou

Entretien avec Denis Rivière au sujet des “Ateliers Aujourd’hui 2”

Par Julien Hector

[Synthèse de l’entretien réalisé dans l’ancien atelier de l’artiste au 10 rue Erard, Paris 12ème, le 10 juillet 2012]

Genèse du projet

“Ateliers d’Aujourd’hui” était une idée de Maurice Eschapasse. Le projet “Ateliers” date de courant 1976. Après sa mort brutale , ce type de manifestations disparut du Centre. Le projet était vraiment issu du regard d’Eschapasse sur le monde de la création artistique. Eschapasse était venu voir Denis Rivière pour lui proposer le projet ” Ateliers Aujourd’hui”. Il faisait en quelque sorte la tournée des ateliers. Et il s’occupait aussi des ateliers d’artistes. Les deux hommes se sont liés d’amitié. Rivière allait souvent chez Eschapasse le dimanche. Denis Rivière le décrit comme une personne très humaine, avec une affection particulière pour les peintres. Pour Eschapasse, “les peintres existaient”.

“Atelier Aujourd’hui 2 “

Le reportage photographique de Jacques Faujour fait vivre l’atelier. Le principe des “Ateliers” permettait au visiteur d’entrer dans l’atelier de l’artiste, de mieux se représenter l’auteur des oeuvres qu’il pouvait voir dans l’exposition. Les photos de Faujour furent encadrées et sept d’entre elles furent exposées. Le choix se fit avec le photographe. Le thème du reportage était totalement libre et Rivière avait choisi de se placer dans une dimension décalée, humoristique. Denis Rivière se rappelle de Jacques Faujour comme d'”un type chaleureux et ouvert”. Le choix des oeuvres exposées avait été fait par Maurice Eschapasse en concertation avec l’artiste. Une oeuvre de Rivière fut achetée par le Centre  Pompidou (séance du 20 juin 1977 du Sous- Comité d’acquisitions d’oeuvres d’art) Sans Titre, 130×195 cm. Elle fut exposée dans “Ateliers 2”. […] Continuer la lecture de Entretien avec Denis Rivière au sujet des “Ateliers Aujourd’hui 2”

“La Géographie de la couleur”, entretien avec Jean-Philippe Lenclos

par Laëtitia Tirano

[Entretien réalisé le 5 juillet 2012 avec Jean-Philippe LENCLOS, designer et coloriste, au sujet de l’exposition monographique “La Géographie de la couleur” consacrée à ses recherches et travaux  et présentée au Centre Pompidou du 26 mai au 26 juin 1977.]

 

L. T. : Ma première question concerne l’accrochage de l’exposition “La Géographie de la couleur” de 1977. Selon moi, l’accrochage est l’une des partie les plus intéressantes d’une exposition, or aucun document quel qu’il soit ne relate ce passage.

J.-Ph. L. : Je commencerai par un bref historique. Je suis designer spécialisé dans la couleur. J’ai créé dans les années 1970 une agence que j’ai appelée “L’Atelier 3D Couleur”. Ce bureau d’études se consacre à la conception et l’application de la couleur en trois dimensions pour l’environnement, l’architecture et les produits industriels. Tout en développant des projets pour l’urbanisme et l’industrie, j’ai poursuivi une recherche sur la spécialité des couleurs dans l’habitat vernaculaire des régions de France tout d’abord, et ensuite en Europe et sur d’autres continents. François Barré qui dirigeait le CCI s’est très vite intéressé à mes travaux pour leur démarche claire et pragmatique. Il a décidé de les présenter au Centre Pompidou dans la période inaugurale. Ces travaux avaient déjà fait partie de l’exposition “France is color” au Design Center de Londres en 1974. Je voulais montrer mes deux orientations pour la couleur : l’une fondée sur l’analyse du patrimoine historique, l’autre sur la création architecturale et le design industriel. Cette exposition a permis de me faire mieux connaître, d’autant plus que Tom Porter, professeur à Oxford, a été soudain convaincu par ma méthode et ma théorie sur la “Géographie de la couleur”, concept qui démontre que chaque lieu géographique, par sa géologie, son climat, sa lumière, engendre des comportements socio-culturels dans le domaine de l’utilisation de la couleur, qu’il s’agisse de l’habitat ou des biens de consommation et des biens d’équipements. Ces recherches ont fait l’objet de nombreuses publications en France et à l’étranger et ont donné lieu à la publication de quatre livres : “Les couleurs de la France : maisons et paysages”, Paris :  Le Moniteur, 1982, 240p. ; “Couleurs de l’Europe : géographie de la couleur”, Paris : Le Moniteur, 1995, 272p. Couleurs du monde: géographie de la couleur, Paris : Le Moniteur, 1999, 288p. ; Maisons du monde : couleurs et décors de l’habitat traditionnel, Paris : Le Moniteur, 2007, 288p.

Tom Porter, donc, publia en 1976 le livre “Colour for Architecture” (Grande-Bretagne : Éd. Studio Vista) dans lequel il consacra un long chapitre sur la Géographie de la couleur.

L. T. : Revenons à l’accrochage de votre exposition au Centre Pompidou. Comment s’est déroulée la préparation de votre exposition ?

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Laëtitia TIRANO

- 2008: Baccalauréat scientifique (spécialité Physique/Chimie) - 2008-2011: Classes préparatoires aux grandes écoles (spécialité Histoire de l'art / option Latin) - 2009-2011: Participation à deux projets de mise en valeur du site Lycée Michelet - 2011-2012: Master 1 -Patrimoine, muséologie et numérique (Paris Ouest Nanterre) - 2011-2012: Stage de médiation culturelle au Musée du Quai Branly - 2012: co-organisatrice de la Nuit des Musées 2012 du Musée du Quai Branly (dans le cadre du stage) - 2012: Stage "Histoire des expositions" à la Bibliothèque Kandinsky -Centre Pompidou - 2012-2013: Master 2 pro -Médiation culturelle, patrimoine et numérique

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