Le Centre Pompidou présentait du 11 novembre 1992 au 12 janvier 1993, la première exposition rétrospective sur l’art latino-américain en France, Art d’Amérique Latine 1911-1968.

Grand défi, celui de présenter une synthèse de l’art de plus d’un demi-siècle d’histoire de 12 pays différents, avec plus de 400 œuvres de plus de 90 artistes. Le choix, fait par Waldo Rasmussen –responsable de l’International Program du MoMA de New York et commissaire de l’exposition– va provoquer une énorme polémique en France et ailleurs. De nombreux articles parus dans la presse vont critiquer une vision encore colonialiste de l’art du continent latino-américain qui réduisait la production  artistique latino-américaine à un art fait d’influences. Ainsi le fait que la plupart des artistes retenus étaient tous présents dans le marché de l’art nord-américain contribua à la polémique qui a déclenché l’exposition.

 Cette exposition fut originellement conçue pour l’Exposition Universelle de Séville de 1992, puis présentée aussi au Centre Pompidou, au Musée Ludwig de Cologne et au MoMA de New York.

Art d’Amérique Latine 1911-1968 fut l’un des événements principaux proposés par  le Centre Pompidou pour célébrer le cinquième centenaire de la découverte de l’Amérique. Dans le cadre de cette commémoration, l’UNESCO a développé le projet Cinquième centenaire de la Rencontre des Deux Mondes, piloté en France par le Ministère de la Culture. Ce projet culturel mobilisa un grand nombre d’institutions européennes pour faire de l’année 1992 une année consacrée à la culture latino-américaine. En France, par exemple, à l’occasion de cette célébration, les Rencontres de la Photographie d’Arles de 1991 ou le Festival d’Avignon de 1992 ont été consacrés à l’Amérique Latine. Le Centre Pompidou a contribué à cette commémoration  en organisant le cycle Amériques Latines  –onze manifestations au total programmées tout au long de 1992 dédiées à la peinture, la sculpture, la littérature, le théâtre ou la philosophie latino-américaine. La rétrospective consacrée à l’art latino-américain du XXe siècle s’inscrivait donc dans cet événement Amériques Latines au même temps que d’autres expositions comme L’univers de Borges, Jorge Amado, écrivain de Bahia, l’exposition de photographie Figures et caractères, un cycle consacré au cinéma mexicain ou le séminaire de philosophie Amériques Latines : Une altérité.

L’exposition dont le commissariat était assuré par Waldo Rasmussen avait le souci de montrer l’évolution de l’art  Latino-Américain au cours du XXème siècle. Pour la présentation au Centre Pompidou, le MNAM a désigné Alain Sayag et Claude Schweisguth pour adapter la vaste exposition originelle à l’espace de la Grande Galerie du 5^ème étage. Comme l’espace n’était pas suffisant pour accueillir l’ensemble de l’exposition, la période présentée a été délimitée entre 1911 et 1968. Dates choisies pour leur signification historique mais aussi pour d’autres raisons. Alain Sayag mentionne dans le catalogue de l’exposition :

“A part des raisons historiques, en  1911 s’écroule définitivement le système académique qui avait fonctionné pendant tout le siècle précédent, et à partir de 1968 s’annonce  le recul des utopies –notamment politiques, mais aussi stylistiques–, à partir de cette date il y a un certain retour à la tradition figurative.”

Sayag et Schweisguth ont fait aussi le choix de présenter les artistes plus contemporains et plus conceptuels dans l’Hôtel des Arts de la Rue Berryer, siège de la Fondation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques.

” [L’art d’Amérique Latine 1991-1968] par son ampleur et la qualité de ses œuvres, doit permettre de faire mieux connaitre l’art d’Amérique Latine en faisant apparaître ce qui fait sa spécificité au-delà des influences qu’ont exercé sur lui les grands courants internationaux.”

L’exposition se présentait à travers d’un parcours chronologique et stylistique. Waldo Rassmusen explique dans le catalogue :

” L’exposition s’organise selon un schéma chronologique et stylistique, elle rend compte de la contribution de l’art latino-américain aux grands mouvements qu’ont fondé la tradition moderniste. (…) Cette exposition ne cherche pas à définir l’art latino-américain, mais plutôt à l’explorer aussi largement que possible. (…) Le critère de sélection des artistes est ouvertement subjectif, basé sur une identification affirmé par l’artiste lui-même soit sur le sentiment d’une manière ou de l’autre, ils font partie de l’histoire de l’Amérique. “

Ce parcours chronologique s’organisait en 24 salles organisées par styles : dans l’entrée fut installée une sculpture du sculpteur brésilien Franz Krajcberg qui symbolisait les préoccupations écologiques de l’auteur et de la société brésilienne, ainsi que les Calaveras, 50 gravures réalisés par l’artiste mexicain José Guadalupe Posada. L’exposition commençait par les « Précurseurs » de la modernité latino-américaine, aux expériences cubistes et futuristes, présentant des œuvres parisiennes de Diego Rivera, les toiles vibrationnistes de Rafael Barradas ou d’Emilio Pettoruti. Les salles suivantes présentaient l’avant-garde brésilienne, avec des pièces d’artistes très particuliers qui ont toujours recherché  une expression spécifique, comme Tarsila do Amaral ou le peintre uruguayen José Cuneo. Ensuite, l’exposition donnait à découvrir d’autres artistes trop peu connus à l’époque qui lors de l’exposition ont été classés comme « Expressionnistes » comme Lasar Segall, Pedro Figari ou Xul Solar, artistes certes inclassables.

L’exposition continuait avec les salles consacrées au Muralisme mexicain, un des moments les plus importants du développement de l’art d’Amérique Latine. Ce mouvement dont ses principaux représentants sont Diego Rivera, José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros voulait l’illustration du mouvement révolutionnaire latino-américain. Comme la plupart de ses œuvres étaient intransportables, ils ont exposé des esquisses et des travaux préparatoires ainsi que des reproductions de fresques importants. Une partie de l’exposition était aussi dédiée au Surréalisme latino-américain, représenté par Frida Kahlo et par un ensemble important de toiles du cubain Wilfredo Lam et de Roberto Matta -deux artistes d’origine latino-américaine mais travaillant en Europe.   L’exposition s’attachait ensuite à montrer les traces du mouvement Constructiviste dont l’uruguayen Joaquín Torres García est le représentant le plus célébré. Du rayonnement de Torres-García témoignent les œuvres du groupe brésilien Arte Concreto Invención et du Groupe Madi, qui lui font immédiatement suite. Dans les salles suivantes les visiteurs pouvaient voir des œuvres d’artistes comme Gyula Kosice, Tomás Maldonado, Juan Melé, Lygia Clark ou Helio Oiticica.

L’avant-dernière étape du parcours était dédiée au Cinétisme, dont les représentants latino-américains sont mieux connus puisque la plupart ont séjourné à Paris et nombre d’expositions  leur ont été consacrées dans les années 60 en France. Parmi ces artistes il y avait des œuvres de Julio Le Parc, Carlos Cruz-Diez ou Jesús Rafael Soto. L’exposition finissait par le retour à la tradition figurative, qui marque les années 60 et s’épanouit dans les années 70 et 80 : Fernando Botero en est la figure la plus connue dans le monde, mais à côté de lui sont représentés des œuvres d’artistes habitant à Paris comme Antonio Seguí ou Armando Morales.

Comme je l’annonçais au début du texte, l’exposition a provoqué une énorme controverse. Plusieurs médias ont accusé Waldo Rasmussen d’avoir présenté l’art du continent latino-américain depuis la perspective hégémonique des États-Unis et de l’Europe, supprimant l’avis des latino-américains. Plusieurs articles dénoncent la présentation d’une vision extérieure du champ artistique latino-américain. Le collectif d’artistes El Combo Latino a signé une lettre qui réclamait :

« Chers amis, les deux expositions consacrées à l’art latino-américain, présentées simultanément au Centre Pompidou et à l’Hôtel de la rue Berryer, ont proposé au public une vision de la réalité qui nous semble très partielle, réductrice, voire inexacte. On ne pouvait, certes, espérer mieux de la conjonction de deux instances  organisatrices que l’on sait « sous influence », l’une dépendant étroitement du marché nord-américain et l’autre issue de la « pensée artistique » officielle française. (…) Nous sommes donc persuadés qu’une véritable information sur la création latino-américaine peut et doit être apportée par tous ceux, nombreux, qui la font, qui la vivent, la sentent, la comprennent de l’intérieur, dans sa substance même, dans sa couleur, sa sensualité, son foisonnement, sa complexité, sa vitalité multiple…Une source de vie et de renouvellement à faire partager pour une ouverture au monde et pour sa réhabilitation de valeurs et d’un « sens » qui dépassent le champ étroit de l’art dit contemporain. »

D’autres critiques portaient aussi sur le manque de contextualisation, sur l’omission de la réalité  sociale et politique du continent latino-américain. Cette vision incomplète négligeait la complexité du continent, selon certaines opinions.

Waldo Rasmussen défend sa posture dans le catalogue de l’exposition:

” Le point de vue qui a présidé la sélection des artistes exposées dans cette exposition, est moins celui d’un historien de l’art, que celui d’un organisateur d’exposition. C’est-à-dire que l’intention est moins de fournir un survol historique complet, que de donner un aperçu des voies complexes suivies par les artistes latino-américains, car ces artistes méritent d’être reconnus non seulement pour leur qualité mais aussi parce qu’ils ont été injustement négligés depuis des années. “

En tout cas, cette question du statut de l’art latino-américain est une question encore aujourd’hui problématique. Peu à peu et avec beaucoup d’efforts, provenant surtout de la pensée post-coloniale,  l’art du continent latino-américain et d’autres territoires hors des puissances hégémoniques, sont inclus dans l’histoire de l’art officiel, comme des arts propres et originels et pas comme des reprises des propositions artistiques occidentales. Le Centre Pompidou commençait à solder cette dette avec l’art des territoires dits “périphériques” avec  Modernités Plurielles, un nouvel accrochage de la collection du MNAM qui présentait pour la première fois une histoire mondiale de l’art, proposant une lecture plus ouverte de l’histoire de l’art moderne et contemporain.  Mais peut-être est-ce le moment de penser à organiser un Paris-São Paulo ou un Paris-Mexico D.F. qui légitiment ces scènes artistiques d’hier et d’aujourd’hui.

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