Les expositions Mona Hatoum au Centre Pompidou

1993 : Germain Viatte, directeur du MNAM, programme l’exposition Mona Hatoum pour l’année suivante. Il s’agit de la première exposition de l’artiste en France, et qui plus est, sa première exposition dans une institution muséale. L’exposition monographique présente  dans trois salles six oeuvres majeures couvrant onze années de travail de l’artiste. Le commissariat de cette exposition est alors confié à Christine Van Assche (L’époque, la mode, la morale, la passion en 1987 ou encore Vidéo Vintage 1963-1983 en 2012) et la scénographie est réalisée par Laurence Fontaine, architecte scénographe. En 2015, la même équipe conçoit une nouvelle monographie témoignant de quarante années de travail avec plus de cent œuvres présentées.

Une artiste aux multiples facettes

D’origine palestinienne, Mona Hatoum vit et travaille à Londres depuis le milieu des années 1970. Née à Beyrouth en 1952 après que ses parents s’y soient exilés en raison du conflit israélo-palestinien, Mona Hatoum grandit et apprend le français durant ses études secondaires dans la capitale Libanaise. En 1975, elle se rend à Londres où elle envisage de faire ses études supérieures. Elle y reste finalement par obligation puisque la guerre du Liban éclate et l’empêche de rentrer. Séparée de sa famille, Mona Hatoum entreprend des études d’art et obtient un diplôme de The Slade School of Art en 1981. Dès 1980, elle réalise sa première performance Don’t Smile, You’re on Camera !.

Vers le milieu des années 1980, estimant « que la performance comme médium était devenue quelque chose d’assez institutionnalisé et avait perdu son aspect critique » [1] , l’artiste s’ouvre à la vidéo et à l’installation, favorisant « une approche plus mesurée/réfléchie » [1] dont l’immédiateté, et l’improvisation parfois, induites par la performance, manque. Qu’il s’agisse de performance, vidéo, sculpture ou installation, le travail de Mona Hatoum joue sur l’ambiguïté, les opposés. Engagées ou pleines de légèreté, délicates et brutes à la fois, les œuvres de Mona Hatoum peuvent être aussi sérieuses que drôles. Elles sont aussi politiques qu’autobiographiques, évoquant autant l’histoire personnelle de l’artiste que des sujets de société.

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Une œuvre attirante et repoussante

La première exposition de l’œuvre de Mona Hatoum au Centre Pompidou s’inscrit avant tout dans une programmation plus vaste qui comprend les expositions Gary Hill et Stan Douglas et apporte une réflexion sur les relations entre l’espace, l’architecture et le visiteur « […] et enfin les rapports désormais incontournables entre le spectateur et l’œuvre » [2]. Si l’exposition a lieu du 8 juin 1994 au 12 septembre 1994, la question des dates de celle-ci fait l’objet de plusieurs changements avant d’être arrêtée. L’exposition est initialement prévue entre mars-avril 1994 afin, selon une correspondance de Christine Van Assche à Germain Viatte, « […] d’établir une liaison entre [l’œuvre de Mona Hatoum] centrée sur la question du corps et les recherches sur le corps scientifiques dans la Revue virtuelle [du Centre Pompidou] »[3]. Par la suite, la date est repoussée entre octobre et décembre 1994 mais Mona Hatoum n’est pas disponible à ses dates. Mona Hatoum souhaitant s’investir dans le projet et dans une volonté de satisfaire autant le public que l’artiste et de présenter Mona Hatoum au public parisien, le Centre Pompidou, à force de discussion et de travail entre les différents membres de l’équipe, fixe les dates du 8 juin au 22 août 1994. C’est finalement un changement de programmation de dernière minute qui permet à l’exposition Mona Hatoum de jouer les prolongations.

Cette exposition montre tant dans le choix des œuvres que dans la scénographie, autant l’attirance du travail d’Hatoum que l’aspect repoussant qui s’en dégage. Cette ambivalence, l’équipe du Centre Pompidou y a travaillé, à travers la scénographie et en réalisant spécialement pour l’exposition et en collaboration avec Mona Hatoum, l’installation aujourd’hui connue sous le nom Corps étranger (1994), un projet en gestation dans l’esprit de l’artiste depuis les années 1980. La scénographie de l’exposition et l’implantation des œuvres sont ainsi organisées en différentes propositions qui dépendent de cette installation. En effet, la scénographie de l’exposition dépend de la forme finale de l’installation, provisoirement nommée en 1994, « Probe ». Mona Hatoum propose ainsi un premier plan d’exposition, dans une correspondance à Christine Van Assche en octobre 1993, dépendant d’une première proposition pour l’installation qu’elle transmet également. Ce premier plan d’installation consiste en la réalisation d’une structure cubique fermée, à l’intérieur de laquelle sont projetées, sur un écran incliné, les images. Le visiteur peut voir l’écran par une ouverture rectangulaire aménagée dans la structure cubique. Cette installation selon le plan de Mona Hatoum aurait pris place dans la seconde salle d’exposition, la pièce centrale. Cependant l’artiste n’est pas satisfaite de cette proposition d’installation. Elle souhaite « quelque chose de plus simple et considère [alors l’idée de projeter] directement sur le sol soit comme une projection vertical circulaire qui tourne doucement […] ou dans un container à l’intérieur duquel il faut regarder, la surface du container étant inférieur au niveau du sol. » C’est finalement, semble-t-il, une combinaison de ces deux idées qui est retenue pour l’installation que l’on connait aujourd’hui. Les documents conservés aux Archives du Centre Pompidou montre le travail, la collaboration entre l’artiste, la commissaire et la scénographe, Laurence Fontaine, chargée de la réalisation de Corps étranger.

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La réalisation du plan final de cette installation permet ainsi à l’équipe du Centre, et notamment Laurence Fontaine, de proposer différents plan d’exposition entre février et mars de l’année 1994. Organisé de manière plus thématique que chronologique, le plan retenu détermine la première salle comme salle vidéo qui présente donc les trois vidéos choisies (So Much I Want to Say, 1983, Changing Parts, 1984, et Measures of Distances, 1988) pour l’exposition. Ces vidéos sont diffusées sur quatre moniteurs disposés par deux sur des socles noirs dans deux angles opposés de la pièce. Face à chaque paire de moniteurs, deux bancs noirs sont à disposition des visiteurs. Dans la seconde salle une reconfiguration de l’espace est effectuée pour accueillir les œuvres. Une cimaise est mise en place et crée un couloir de circulation entre la première et la deuxième salle. Cette cimaise permet également de créer un espace plus fermé nécessaire à l’œuvre Light Sentence. Dans l’espace de cette deuxième salle, un second espace est construit pour accueillir l’œuvre The Light at the End. Il s’agit d’une petite pièce supplémentaire accessible par la troisième salle. L’entrée dans cette pièce plonge le visiteur dans un espace sombre, aux murs bruns, qui se rétrécie vers le fond tel un entonnoir. Enfin la dernière œuvre Corps étranger est disposée au centre de la troisième salle. Le visiteur a ainsi le choix entre deux ouvertures intrigantes, celle de Corps étranger ou celle de The Light at the End.

La création d’espaces spécifiques et le peu de lumière dans les salles participent à créer des atmosphères mystérieuses qui, à la fois inquiètent, repoussent, et dont la beauté, induites par les jeux de lumières notamment, attirent. Les ombres dansantes de Light Sentence déstabilisent le visiteur tandis que les fils chauffants de The Light at the End le poussent à se rapprocher dangereusement. Les œuvres de Mona Hatoum comme la scénographie de Laurence Fontaine confrontent le visiteur à de nouveaux rapports à l’espace et aux éléments qui le composent. La concentration de la visite dans un espace réduit sur trois salles permet cette expérience sensorielle et entraîne le visiteur à penser le monde au travers des perspectives que les œuvres d’Hatoum lui offrent.

2015 : « ce n’est pas une rétrospective »

À la différence de celle de 1994, l’exposition de 2015 offre davantage un panorama de l’œuvre de l’artiste allant de l’œuvre la plus ancienne (1977) à la plus récente. Pourtant cette seconde exposition dévoile, en filigrane, les aspects attirants et repoussants récurrents  dans l’œuvre de Mona Hatoum, sans pour autant en faire comme c’est souvent le cas avec la question du politique, l’unique aspect de son œuvre. Cette exposition, qui n’est pas une rétrospective comme le précise Christine Van Assche, est bien une exposition monographique qui comprend des œuvres de toutes les époques et de tous les domaines. Elle est organisée non pas chronologiquement mais par groupes d’œuvres rassemblées par affinités.

L’exposition débute avec un premier groupe d’œuvres qui présente une sorte d’autoportrait de l’artiste. Dès l’entrée une vidéo réalisé en slow scan (consiste en l’envoi d’images par satellite à intervalles régulier), So much I want to say (1983). Cette œuvre témoigne à elle seule de la variété des propos des œuvres de l’artiste. Une première section évoque à la fois un travail très engagé par rapport à la Palestine (Present Tense 1996-2011) et qui devient, petit à petit, dans une seconde section, plus autobiographique (Recollection 1995) tout en s’ouvrant, cette fois, sur des questions de sociétés dans une dimension plus internationale (Measures of Distance 1988).

La question du corps, de la place de la femme dans la société, de l’architecte/ l’environnement ou encore les objets du quotidien, la question du politique, de l’enfance, Mona Hatoum joue avec toutes ces thématiques, leur familiarité et leur proximité avec notre quotidien qui en font des sujets qui ne nous font pas peur et les détourne d’une certaine manière afin de montrer le danger qu’ils peuvent représenter. L’exposition propose ainsi à travers la scénographie de faire état du visible et de l’invisible en jouant avec ce que l’on peut voir facilement, ce que l’on perçoit ou devine et ce que l’on ressent avant même de pouvoir voir clairement. Dans les œuvres de Mona Hatoum, il est question de changement, de transformation et de la perception que l’on a de cela. L’exposition débute alors sur un espace qui semble ordonné et finit avec des pièces qui évoquent davantage le désordre, le chaos.

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Une fois de plus la scénographie de Laurence Fontaine et la collaboration avec Mona Hatoum permettent de proposer au visiteur des perspectives, des points de vue littéralement et figurativement. Littéralement avec l’œuvre Map (clear), par exemple, disposée de manière à offrir  grâce aux baies vitrées du Centre Pompidou une vue sur la ville, une vue sur le monde.

[1] Entretien avec Mona Hatoum, 1994. Propos recueilli par Christine Van Assche, commissaire d’exposition, Centre Pompidou. Mona Hatoum (Dossier de presse), p.1

[2] Christine VAN ASSCHE, Mona Hatoum, Paris, éd. Centre Pompidou, 1994, p.10

[3] Correspondance de Christine Van Assche à Germain Viatte, le 2 avril 1993, Centre Pompidou, Paris.

[4] Extrait d’une correspondance de Mona Hatoum à Christine Van Assche, disponible aux Archives du Centre Pompidou. (Traduction de l’anglais au français de Sophie Ratajczak)


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